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La Brújula Dorada (2007)

Publicado: 21/07/2017 de bocadecenicero en Películas
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La brújula dorada (junto con el expresso polar), estaba dentro de la lista de películas que algún día en algún momento, en alguna parte. No fue una gran sorpresa, pero tenía lo suyo.

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Es el año 2007, cuando The Golden Compass, un film estadouniciano, aparece en la cartelera. Ciento trece minutos de una aventura fantástica, con toques de drama. Dirigida por Chris Weitz, quien fascinado con el mundo imaginario de Phillip Pullman, decide adaptar la novela Luces del Norte, primera parte de la Trilogía de La Materia Oscura (compuesta además por La Daga y El catalejo Lacado) publicada por Pullman afines del milenio pasado (1995, 1997 y 2000, respectivamente).

Recibió una serie de galardones, entre los que se encuentran el premio Oscar (junto a una nominación para la Mejor Dirección Artística) y el BAFTA a Mejores Efectos Especiales, además de dos galardones a la Banda Sonora para películas por parte de la Asociación de Críticos, entre otros.

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Al comienzo, nos cuentan que en el mundo co-existen diferentes universos paralelos, y en el universo en el que se ubica este relato, las almas de las personas, con una morfología animal, se encuentran fuera de los cuerpos (las almas de los niños cambian de forma a voluntad, mientras que las de los adultos alcanzan una forma única); estos animalillos son conocidos como los daimonion (lo que te duela a ti, le dolerá a tu daimonion, y viceversa).

Entonces está la heroína del relato Lyra Belacqua (Dakota Blue Richards), una huérfana de once años (la edad ideal para la aventura), intrépida, curiosa y muy imprudente quien vive en el ficticio Jordan College de Oxford, junto a su daimonion Pantalaimon, bajo la tutela de su reservado tío Lord Asriel (Daniel Craig), estudioso sobre la teología experimental, los mundos paralelo, el polvo y el Norte. Su daimonion es un leopardo llamado Stelmaria.

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Luego de un confuso incidente en el despacho del tío en el que Lyra lo salva de ser envenenado por un conspirador miembro del Magisterio (entidad omnipotente que gobierna el mundo), Lord Asriel emprende un viaje al Norte, lugar donde se encuentra una especie de apertura espacio-temporal por donde se filtra el Polvo hacia su universo, materia que se adhiere a la gente.

Una vez que el Lord se ha ido, el mejor amigo de Lyra, Roger Parslow (Ben Walker), cuyo daimonion suele adoptar la forma de un perro terrier, desaparece, sumándose a una serie de misteriosos secuestros de diversos niños en las cercanías; la única información que se tiene del paradero de los niños es que se los llevan al Norte con propósitos macabramente desconocidos.

Es entonces cuando comienza la aventura. Lyra, jurando rescatar a su amigo a como dé lugar, encuentra su oportunidad de ir al Norte cuando la jefa del tribunal Consistorial de Disciplina del Magisterio, Marisa Coulter (Nicole Kidman), con mono dorado daimonion, le invita a viajar con ella al Norte, convirtiéndose en su asistente personal.

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Y bueno, (lo siguiente viene con mucho SPOILER) luego vienen las guerras, mucha magia, el retorno de un rey, el apoyo de un ejército genial e inesperado (las brujas le dan el toque heroico de cuando se creía todo perdido), los reencuentros, mucho amor y desilusión. Todo aquellos elementos de los cuentos que siguen ciertas reglas de las treitaiuna del señor Propp (no hemos leído los libros, peros según algunos cuentan, la morfología de la Trilogía de la Materia oscura, sigue mucho la línea de la morfología cuentista del ruso ése, ¿será verdad?).

Sin embargo, al final de la aventura (en la película, porque al aparecer en el libro termina con lo que iba a ser el inicio de la segunda entrega), cuando Lyra y Roger se van a buscar al tío en compañía de Serafina Pekkala (Eva Green) -la reina del brujas del clan del Lago Enara, su daimonion es un ganso llamado Kasia-,  Lorek Bymison -oso acorazado del Norte- y el viejo Lee Scoresby (Sam Elliot) -aeronauta, hombre maduro acompañado de Hester, su liebre daimonion-, nos deja en el hilo de la duda a ver qué pasa después…

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Y no pasa nada, porque la segunda parte nunca se rodó. Según parece, en su país de origen, la cinta fue vista con malos ojos por la Liga de la justicia Católica de Estados Unidos, catalogándola como ‘ateísmo para niños’. Esto es lo que nos cuenta internet:

“La polémica surge a raíz de que en ese mundo imaginario, el poder está en manos del Magisterium, una orden religiosa que ahoga la individualidad y controla las almas de los niños, actitud contra la que se erige la pequeña Lyra Belacqua, poseedora de la brújula dorada que da nombre a la película que contiene la verdad suprema. La Liga Católica de Estados Unidos contempla esta premisa como una voluntad, por parte de Pullman, de “promover el ateísmo y denigrar la cristiandad a los ojos de los niños”, según explica en su página web su presidente, Bill Donohue.” El periodico

“El periódico del Vaticano describió a la película como “el filme más anti-Navidad posible”  –Emol

“Según Bill Donahue, “La trilogía fue deliberadamente escrita para promover el ateísmo y denigrar el cristianismo, especialmente el catolicismo” –20minutos

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El boicot fue tan eficiente que la cinta fue un fracaso en las salas estadounicianas, dejando en jaque la posibilidad de concretar la trilogía en la pantalla grande.

Ahora… no sabía nada de esto al inicio de la cinta, ni siquiera había oído del famoso escándalo, y lo cierto es que el Magisterio no es muy diferente de otras entidades malvadas de la fantasía. Aunque claro, las sotanas oscuras y las catedrales en punta como que evocan un poco el fantasma de los santos y las Marías. ¿Podría un infante, necesariamente, interpretarlo como una alusión perversa de la iglesia?

Lo curioso de todo esto, es que se reclamó contra la figura eclesiástica profanada por la ficticia teología experimental (quizá el nombre fue lo que causó una urticaria más potente), y no contra otras observaciones liberales que podríamos desglosar de la cinta.

*Aunque de todas formas, se anexo una mini polémica con la Unión de Infancia contra la violencia y la guerra, por la escena en la que Lyra toma un arma en la batalla. Pero bueno, tampoco es como si la niña soldado hubiera masacrado a todo un pelotón con una pistola en la sien.

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La liga pudo reclamar contra algo mucho más evidente que el Magisterio, y eso es el sensual personaje de la señorita Marisa Coulter.

Con un vestuario que nos recuerda al glamour del antiguo Hollywood, Marisa es una especie de anti-madre. Como nos cuenta avanzado el film, la señorita Coulter resultó ser la exitosa madre de Lyra, cuyos dones maternales parecen extintos por el poder y el deseo del control absoluto, “eres mía” le dice, declarando su poderío sanguíneo, pasando por alto cualquier afecto que podría sentir la niña al enterarse de que sus padres no estaban muertos y que su madre se dedicó a ser carrera en el Magisterio mientras que su padre se hace pasar por su tío para luego darle una vida solitaria alejada del calor de un hogar como los católicos creen que nos corresponde.

Y como si todo aquello no fuese suficiente, después Lyra adquiere una familia postiza con un vejete, un heredero ebrio y una bruja de los confines del mundo. Un guiño que se repite en la fantasía, donde las familias que son una mierda, pueden ser reemplazadas por irreverentes compañeros que te dotan de la calidez que todo niño merece (¿cuántos no quisieron lo mismo?).

El libre albedrío que no se lleva con la moral y las buenas costumbres, el arquetipo del héroe desencajado que no obedece a su ‘flaqueza’ de la ‘femineidad’ y rescata al caballerito en peligro, el creer que la maldad establecida puede ser vencida con conocimiento, amistad y convicciones de libertad (y una que otra guerra nunca está de más).

Film Title: Golden Compass, The.

La Brújula Dorada no es la novedad del milenio, pero es una pena que no se terminara la historia por un boicot absurdo, que le arrebató a muchos una bella historia con la que puedes soñar y trasladarte a uno de esos tantos lugares en donde la imaginación te ayuda a tolerar la realidad.

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En general Kubrik con su neurótica simetría tiende a ser un poquito odiado, considerando que la mayor parte de sus obras (si no es que todas) son basadas en libros, en buenos libros, y cuesta mucho darle en el clavo cuando basas una película en un libro, porque nos guste o no, todos sabemos que la cosa es una adaptación y no el calco monótono de la obra. Aún así, Lolita es muy mala, nada que perdonar ahí. Y hasta Stephen King estaba medio molesto con el Resplandor.

Ésta es una de las películas que le devuelven la dignidad.

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Traducida como “¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú”, es un grandísimo film británico en blanco y negro de 1973. Dirigida por Stanley Kubrik, quien se encontraba inspirado por la amenaza latente de la guerra nuclear, posterior a la crisis de los misiles en Cuba.

El estreno oficial sería en día 22 de noviembre de 1963, pero debió retrasarse  ya que al presidente John F. Kennedy se le ocurrió recibir una misteriosa bala. Sin embargo logró ser estrenada en enero del año siguiente. Basada en el trhiller “Two Hours to Doom”, escrito por Peter George, quien fue oficial en la Royal Air Force. Para publicarlo utilizó el pseudónimo “Peter Bryant”.

Kubrik, contacta al mismísimo Peter George para escribir el guión en conjunto. Terry Southern  también estuvo de dentro de la elaboración.

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Para su tranquilidad: los organismos de seguridad de las fuerzas aéreas estadounidenses evitaran con toda certeza situaciones y acontecimientos como los que aparecen en esta película. Se ha establecido explícitamente que ninguno de sus personajes representan personas vivas o muertas.

Créditos iniciales que dan la antesala a unos bombarderos en lo alto del cielo, en un sensual sobrevuelo previo al apocalipsis.

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Entones aparece el general Jack D. Ripper (interpretado por Sterling Hayden ) en la base aérea de Burpleson, quien producto de una crisis paranoica contra la Unión Soviética (en plena Guerra Fría), envía de improvisto a un completo escuadrón para bombardearla. Una vez dada la orden, corta comunicaciones con los bombarderos por medio de un código secreto, y cella herméticamente la base.

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El pánico se desatada en el pentágono; el presidente Muffley (Peter Sellers) congrega a una reunión urgente en la sala de guerra con el comité para estás emergencias. Además se incluye la presencia el embajador Alexi de Sadesky, en representación de la Unión Soviética, a pesar de las protestas del rudo, jocoso y pro-guerra general Buck Turgidson (George C. Scott).

Comienza el allanamiento a la base donde se ha atrincherado el general Ripper; desde dentro Mandrake (Peter Sellers) intenta razonar con el general, en medio de su incredulidad ante la locura nacionalista que se apoderó de Jack D. Ripper. Mientras que todos se preguntan cómo descifrar el código secreto que abre la comunicación con los bombarderos, la única esperanza de no desatar la Tercera Guerra Mundial.

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En el pentágono Alexi de Sadesky comenta que es el fin, no tiene sentido, pues ellos han construido la máquina del Juicio Final, poderosa herramienta de guerra que no puede desarmarse, y una vez que se activen las alarmas, tendrá un poder de destrucción nuclear que dejaría la Tierra inhabitable por los próximos cien años, por lo bajo.

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Resulta ser una hilarante odisea sobre el fin del mundo y del absurdo escenario que se creó durante la Guerra Fría, ni la carrera espacial fue tan atolondrada como la carrera nuclear; los dos polos del planeta que se mantenían antagónicos podían desencadenar ataques nucleares que acabarían con toda la vida en el planeta.

Lo mejor: el doctor Strangelove; el gran personaje que Peter Seller sacó adelante, en gran parte, gracias a sus improvisaciones. Como resultado, un comiquísimo científico nazi que ahora sirve a los Estados Unidos, y más allá de dar soluciones, nos informa de qué tan jodidos están en la película.

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Kubrik se aparta de la idea dramática de la guerra como un horror, para entregar una obra maestra de comedia aguda que apunta en todas direcciones, las incompetencias del poder, quienes han de ocasionar el fin de los tiempos, lo absurdo de cualquier diferencia cuando estás a punto de morir junto con toda la Tierra.

Una de las curiosidades de la cinta, es que Kubrik llegó a rodar un final alternativo, en donde los caballeros de la sala de guerra mantenían una guerra de pasteles… Ya lo habíamos dicho, Kubrik es una maravilla con lo visual, pero de que tiene ideas nefastas, las tiene.  Por fortuna para historia del cine, se eligió un final mucho más adecuado.

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Nos quedamos con el alarido del presidente en medio de la crisis.

“Señores, no pueden pelearse aquí ¡Esta es la sala de guerra!”

Oh gloria de las glorias, Oh divino testamento de la eterna majestad de la creación de dios:

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Nosferatu, Una Sinfonía del Horror, es una película alemana -aplausos- de 1922, dirigida por Friedrich Wilhelm Murnau, dura 84 minutos, en blanco y negro, además de muda. El guión, de la mano de Henrik Galeen, está basado en la novela de 1897 llamada Drácula, escrita por Bram Stoker (apuesto a que nadie sabe de qué se trata -sarcasmo-). Y aunque Galeen realizó algunos ajustes a la historia (como suprimir personajes, cambiar nombres, e incluso la apariencia del legendario refinado conde chupasangre) logró crear un clásico monstruo e instaurar la figura del vampiro como parte de las fantasías maravillosas, de horror, y hasta sexuales.

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Tenemos entonces a Knock (Alexander Granach), un peculiar y muy feo agente inmobiliario, quien de forma muy maliciosa da a su joven asistente, Hutter (Gustav Von Wangenheim), la misteriosa misión de viajar a  Transilvania para entrevistar al conde Orlok (Max Schreck), con motivo de la compra de una propiedad en el norte de Alemania.

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Hutter, oriundo de Wisborg, como todo héroe de su propia historia, posee un espíritu aventurero y temerario, que acepta de inmediato el encargo de Knock con mucho entusiasmo. Sin embargo su esposa, Ellen (Greta Schröder), siente una enorme inquietud respecto al destino de su amado esposo.

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El largo y pesado viaje de Hutter culmina en una enorme mansión antigua, donde por fin conoce al conde Orlok, un calvo con dientes de roedor, enormes manos con afiladas garras, pobladas cejas seguidas de unos ojos redondos y vacíos, propios de los cuerpos sin alma; salía sólo de noche, siempre en oscuridad; Hutter ignoró todas aquellas extravagancias propias de los excéntricos millonarios, hasta que claro, don Orlok acaba por mostrarse aún peor de lo que parecía; se manifestaba como una sombra tenebrosa y hasta risible, que se convierte en la viva imagen de lo hilarantes y horrorosas que son las fantasías de terror, las encarnaciones de las pesadillas.

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Y entonces se desata la pesadilla cuando, en medio de sus deambulaciones nocturnas de rutina, ve un retrato de Ellen entre las cosas de Hutter, desatando un profundo deseo por conocer a la misteriosa dama, embarcándose dentro de un ataúd rumbo a Wisborg. Entre tanto, Ellen sufre tormentosas visiones de las sombras, se le ha metido bajo la piel un mal superior a cualquier enfermedad.

Hutter, sopesando la situación, decide ir tras el monstruo, intentando acortar camino para advertir sobre la peste que estaba a punto de llegar. Pero es demasiado tarde, el conde Orlok, Nosferatu, ya se ha instalado en un tenebroso rincón de Wisborg.

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 Volví a ver esta película hace muy poco, y nada que decir, es sencillamente fascinante, la música, una mezcla de terror y comedia, crea el ambiente perfecto para que uno mire el mono ése y se cague de miedo. Es como la fea caricatura de un monstruo, y es esa fachada ridícula la que lo hace tan espeluznante. Los efecto de las sombras, geniales.

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Y no hay que dejar de lado las curiosas interpretaciones que le han dado a la historia. Aquí se inició el romanticismo “humana-vampiro”; pues, si bien se supone que la inauguración oficial fue con el libro de don Drácula, fue Nosferatu quien nos entregó la imagen de todo aquel embrollo de sujetos raros chupando sangre de mujeres guapas.

Ellen, una damisela en manos de un buen ciudadano, que suele ser incluso un poco imbécil en su actuar despreocupado, se ve tentada (ALERTA DE SPOILER) de perpetuar un sacrificio cristiano para salvar a la humanidad de la perdición, entregándose en cuerpo y sangre a la bestia, el sujeto peligroso que encarna todo lo que no es Hutter. La idea de la fémina descarriada y masoquista, sedienta de un malvado hombre que la arrastre a sus propias tinieblas.

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Y como parte del chisme histórico, hasta donde sabemos, Murnau era homosexual, y algunos ociosos le han dado la interpretación de que las visitas nocturnas de Nosferatu a Hutter eran parte de un guiño personal del director a nosotros los simples mortales excitados por las imágenes que cobran vida.

Igual, rara la interpretación. Yo creo que tendría más sentido (porque como sabemos, todo lo que toque un homosexual se convierte en gay), que la película hiciera alusión a algún ex novio que al final era bi curioso y le interesa una muchacha, y lo retrata como un monstruo feo pero atrayente. Fin. Hasta ese análisis pedestre tiene más sentido que el guiño de las visitas nocturnas.

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En fin. Muy buena.

“Hermoso cuello tiene vuestra esposa”

Chinatown (1974)

Publicado: 01/09/2016 de bocadecenicero en Películas
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Olvídalo Marge, esto es el barrio Chino:

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Chinatown (a propósito del monologo del señor Simpson cuando le responde a Marge con frases de películas), es un film del año 1974, estadouniciano (nada que hacer con el cinepolio de gringolandia), dirigido por el siempre genial Roman Polanski, escrito por Robert Towne, y claro, agregamos la participación del señor John A. Alonzo por su magnífico trabajo como director de fotografía.

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Con once maravillosas candidaturas al Oscar (aunque claro, al final sólo el señor Towne se llevó un trofeo), este film marcó la década de los 70, una época difícil para el cine (más en Europa que en América) y a pesar de eso, Chinatown logró ganarse al público y a la crítica, con la actuación estelar de Jack Nicholson (película que por cierto, acaba por catapultarlo a los papeles principales), además de ser un curioso homenaje al cine de la época dorada que nunca volverá, adapta una historia policial con el estilo del cine “de antes”, sin convertirse en un obvio y meloso pastiche del cine antiguo, en definitiva, es como una película antigua de la época moderna (considerando que ya han pasada como 40 años xD), Polanski y Alonzo lograron transportar las imágenes del cine en blanco y negro al cine de color, magistral.

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La historia comienza en los Ángeles, en 1937 se encuentra al detective privado J.J. Gittes (Jack Nicholson), un ex policía cuya carrera fracasó en el barrio Chino y ahora se dedica a fisgonear por dinero. Pero entonces es llamado para espiar a un supuesto marido infiel, lo cual, no parecía más que otro trabajo cualquiera, hasta que las cosas se complican cuando el marido espiado, un alto funcionario del servicio municipal de aguas de la ciudad, es asesinado.

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La bella viuda, la señora Faye Dunaway (Evelyn Cross Mulwray) le encarga a Gittes a investigar el asesinato, con inesperadas consecuencias, ya que Gittes a medida que va metiendo la nariz (además de que se la cortan jajaja), comienza a descubrir una red delictiva dentro y fuera de la compañía, que lo llevaran a desagradables encuentros con la mafia y diversos personalidades distinguidas e influyentes de la ciudad.

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Es una película muy entretenida (aunque bueno, parece que para mí todas las películas son entretenidas), que nos muestra un lindo cambió de la muchas veces empalagosa rutina de Hollywood, además siempre es interesante ver los origenes de un algo o de un alguien, como la actuación a de Nicholson o la dirección de Polanski, su primera dirección en una película que no escribió él mismo.

Parece ser una película nostálgica, de esos tiempos que no vuelven, el pobre Gittes que constantemente parece recordarnos su fracaso, pero en realidad siempre apunta al futuro, a la resignación, de estar en un mundo de mierda, olvídalo, es el barrio Chino.

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Para una tarde de gansters y palomitas.

“Sólo soy un fisgón”

The Runaways (2010)

Publicado: 08/08/2016 de bocadecenicero en Películas
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A donde publicamos a la Cherry Bomb, recordé ésta película:

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The runaways, es una película dramática, semi biopic, y de pronto sale como musical (incluso aparece en las insulsas listas de películas con temática homosexual, una tontería por cierto), del año 2010, escrita y dirigida por Floria Sigismondi, basada en las memorias de la cantante Cherie Currie “Neon Angel: A Memoir of a Runaway“, donde se habla de las vivencias de la banda The runaways, su formación, éxito y posterior disolución.

Fue estrenada en el festival de Sundance en enero de 2010, con un flojo estreno posterior en las salas de Estados Unidos en marzo del mismo año. Pasa sin pena ni mucha Gloria, con críticas relativamente buenas entre los grandes críticos del cine y un apoyo parcial del público.

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Comienza en 1975, en los Angeles USA; el mánager Kim Fowley (Michael Shannon) encuentra a la promesa adolescente Joan Jett (Kristen Stewart), guitarrista rebelde con el punk en las venas, a quien le propone formar una banda sólo de chicas, una gran proesa para una época dónde el rock estaba dominado por los entes masculinos (qué novedad).

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Es así como Kim recluta al resto de la banda: Lita Ford (Scout Taylor-Compton), Sandy West (Stella Maeve), Robin Robinns (Alia Shawkat, quien en realidad debió interpretar a Jackie Fox, pero ésta se negó a dar los derechos de su nombre para la película y tuvieron que inventar a la bajista ficticia), y por su puesto Cheri Currie (Dakota Fanning).

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La trama va avanzando a medida que crece el éxito de la novedosa banda, vemos el paso del anonimato al éxito total y cómo ésto afecta a las jóvenes, quienes aún siendo menores de edad, estaban entre las mejores bandas del planeta para ese entonces. Y claro, no serían banda de rock sin drogas, peleas, sexo y mucha música.

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En general la película es muy entretenida, sobre todo porque nos muestra el lado B de esta gran banda, las reales chicas malas del rock, además de que tiene dos cosas muy novedosas: primero, esta,os frente al primer (y parece que único xD) papel en que Kristen Stewart se ve completamente creíble, le viene muy bien la onda de Joan Jett (además de que le arregla un poco la fachada a la leyenda del rock jajaja), y segundo, tenemos la primera aparición de Dakota Fanning saliendo de su mundo de películas siendo estrella infantil, para dar paso a papeles más “adultos”.

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Esto último fue lo que encendió la polémica, ya que al público le pareció un tanto impactante ver a la tierna niña (alerta de SPOILER) drogándose y follando con su compañera de elenco. Y es una estupidez, porque lo que realmente decepcionó de la película fue que Cheri Currie le quedó muy grande a Dakota, a ratos se ve media desabrida. incluso incómoda (de todas formas, muy interesante las escenas con Kristen, nada que decir).

Es una buena peli, con un buen soundtrack, lo vale.

Cruel Intentions (1999)

Publicado: 24/07/2016 de bocadecenicero en Películas
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Estaba pensando en los finales de películas que se toman demasiado a pecho eso de Finales de película, y entonces recordé esta maravilla de un buen año para la humanidad, realmente pensaban que se morirían a fin de año, y lanzaron todas las buenas películas juntas.

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El clásico ejemplo de que las malas traducciones deprimen en este mundo globalizado, Juegos sexuales, originalmente titulada Cruel Intentios, o como los reales hispanos tradujeron Crueles Intenciones, es un filme de fines de los noventa (1999 para ser más específicos), dirigida y escrita por Roger Kumble, basada en la novela “Las amistades peligrosas” (1782) de Pierre Chorderlos de Laclos, que ya había tenido una adaptación al cine en 1988 en manos del director Stephen Frears titulada “Dangerous Liaisons”. Sin embargo, la gran diferencia entre Dangerous Liaisons y Cruel Intentions es la forma en que adaptan la novela. La primera es un fiel reflejo del libro con los relamidos franceses de la Francia prerevolucionaria, y la segunda es un relato contemporáneo fiel reflejo del eterno retorno que logró llegar al corazón de los noventa, y para pasar a ser una película de culto.

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La historia se centra en dos hermanastros, Sebastian Valmont (Ryan Phillippe) y Kathryn Merteuil (Sarah Michelle Gellar), clásicos niños mimados que asisten a una escuela secundaria exclusiva y gozan de todas las ventajas recreativas que ofrece la buena vida y la poca vergüenza, llevándolos por los caminos de los excesos mundanos libres de cualquier escándalo.

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En medio del aburrimiento que ofrece el fin de las vacaciones y el inminente regreso a clases, Kathryn se ve envuelta en una ruptura amorosa con su novio Courth, quien dejó a la rica joven llena de virtudes no-virtudes, por la ingenua y muy tímida Cecile Caldwell (Selma Blair, quitanovios por excelencia); pero por una increíble coincidencia, la perversidad de Kathryn se vio compensada cuando la madre de Cecile, la puso a su cargo, ya que Kathryn fuera de toda lógica, cultivó un perfil de alumna intachable, y quería que su hija tuviera un buen ejemplo a seguir, cuando en realidad la entregó en manos de una mal intencionada y vengativa Kathryn.

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En tanto, Sebastian, joven sexualmente activo y cruelmente amoroso, se encuentra con un artículo en una revista juvenil, donde la hija del nuevo director de la secundaria donde asisten los hermanastros, llamada Annette Hargrove (Reese Witherspoon), cuenta su testimonio sobre su virginidad y la creencia sobre la abstinencia sexual hasta el matrimonio, de no follar a menos que la relación vaya por un camino serio y formal.

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Kathryn le baja inmediatamente los humos a su hermanastro, argumentando de que no hay forma en que logre ligar con la muchacha, Sabastian, con su experiencia y su gran confianza, dice que será difícil pero no imposible. Es entonces cuando establecen una seria apuesta: si Kathryn, quien dice que no logrará, gana, Sebastian tendrá que darle su lujoso automóvil deportivo, y si Sebastian gana, ligando a la virginal Annette, Kathryn accederá a tener sexo con él.

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Comienza entonces una épica odisea de engaños y trampillas llenos de un humor bien particular, aunque se califique como un drama, más de una sonrisa logra sacar la trama donde los depredadores pasan a ser depredados y viceversa, Sebastian nos muestra el lado humano de los don juanes y Kathryn nos muestra como las mujeres malas no triunfan xD.

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Muy buena, aunque creo que deja con un gusto a poco, no me gusta que los personaje como Kathryn tengan tanta desgracia, porque son los personajes a los que uno más le agarra cariño (busquen en tumblr, está lleno de imágenes de ella en la película). Algunos la califican como “sobrevalorada”, pero creo que para ser la adaptación de la adaptación de la adaptación está muy buena.

Definitivamente recomendable, ese final con la bitter sweet symphony, es sencillamente genial, es como el momento en donde los edificios se destrozan, y dan ganas de aplaudir y lanzarse por una ventana. Emocionante.

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Foxfire (1996).

Publicado: 08/07/2016 de bocadecenicero en Películas
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Estaba mirando mi cuaderno de frases (auspiciado por la ilustre armada de Chile de 1988), y me tropecé con la frase de una peli que creí olvidada:

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Foxfire, o bien, Jóvenes Incomprendidas, es un film gringo de la maravillosa época de los noventa, 1996 para ser más exactos, dirigida por Annette Haywood-Carter, guión a cargo de Elizabeth White, basada en la novela homónima de Joyce Carol Oates. Y claro, como habrán notado, cuenta con la participación principal de una muy joven y sensual Angelina Jolie en su interesante papel de Margret “Legs” Sadovsky (supongo que el sobrenombre en inglés debe sonar super guay, pero en español, “Piernas”, suena muy raro)

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La historia comienza con Madeline “Maddie” Wirtz (Hedy Burress), una adolescente efervescente de los suburbios de Portland, Oregon, con patines intrusos y una loca creatividad que aún no se ve del todo desbordada dado que su vida hasta entonces era completamente “normal”, pero al menos tiene como gran motivación la fotografía y el sueño de estudiar en una escuela de Arte.

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Pero un día su mundo se pone de cabeza al conocer por los azares del destino a una misteriosa joven vagabunda que entra en su escuela sin pedir permiso y se va por la ventana sin decir adiós, conocida como “Legs” (Angelina Jolie).

La misteriosa muchacha se adhiere sin decir nada a una clase de biología, donde el profesor Buttinger esta obligando a la indefensa Rita Faldes (Jenny Lewis) a diseccionar una rana. Entonces Legs interrumpe la acción antipedagógiga, libera a la rana, y salta por una ventana.

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Como consecuencia de este incidente, en el que Maddie estaba presente, nos enteramos de que el señor Buttinger tiene cierta fijación indecorosa con Rita, y lo que es peor aún, tiene una actitud extraña con varias de las chicas que deben asistir a la clase de biología. Legs, quien escuchó atentamente las historias de las estudiantes, analiza la problemática y convoca a la unidad para acabar con el sujeto.

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Vemos entonces a un pintoresco grupo conformado por Legs, Maddie, Rita, “Goldie” Goldberg (Jenny Shimizu) y  Violet Kahn (Sarah Rosenberg); chicas que no tienen mucho en común, que nunca habían compartido más de lo normal, ahora tienen una curiosa amistad, con inesperadas y alocadas aventuras.

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Es una película muy entretenida, se nota mucho que fue echa en los noventa, tiene de todo lo que tiene una película adolescente de aquel entonces -ropa cool, canciones de época, camisas grunges, tristeza en los ojos-.

Otra de las miles de películas que hablan de los ultra manoseados “misterios” de la adolescencia, una mirada entre optimista y deprimente hacia el futuro; a ratos es como si nos recordara que las buenas historias provienen de malos momentos, y que un mal momento, parece ser lo que esperamos toda la vida.

Que se reúnen unos con otros en la desesperación de la pertenencia, sin tener nada que decirse.

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Es recomendable, todas las películas que impliquen de tres a cinco chicas en un mismo lugar tienen algo muy bueno. Nos quedamos con un mini extracto de un diálogo entre Maddie y Legs:

“-Y… ¿dónde vives? -Principalmente en mi cabeza “