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Hay que reconocer que ver el poster de esta película fue poco alentador, considerando que salía la eterna cara de Nicolas Cage (ash!), en un masetero roto. ¿Qué se supone que pensemos al ver eso? Jajajaja xD.

Adaptation, para los hispanohablantes, El Ladrón de Orquídeas, es una película estadounidense del año 2002, dirigida por Spike Jonze, escrita por Charlie Kaufman (co-escrita por Donald Kaufman), basada en la novela de Susan Orlean “El ladrón de Orquídeas”, quien a su vez se basó en un artículo que ella misma escribió para el New Yorker.

Entre las cosas interesante que confunden a todos, está el hecho de que Donald Kaufman, no existe en realidad, en la película es incluido por el autor nada más, sin embargo, en la entrega de los premios Óscar, fue nominado como co-autor de la cinta, marcando el precedente de ser el primer personaje ficticio en ser nominado a un premio de la academia. Además, dentro de la película se pueden ver algunos cameos, como es el caso de John Malkovich, Catherine Keener y el mismo Spike Jonze.

A pesar de que la cinta no recibió muy buenas críticas, muchos la calificaban de excesivamente aparatosa, de todas formas ganó nominaciones y unos cuantos galardones:

-Premios Óscar: 4 nominaciones, llevándose sólo el galardón a Mejor Actor de Reparto (Chris Cooper).
-Globos de Oro: 6 nominaciones, ganadores Mejor Actor de Reparto (Chris Cooper) y Mejor Actriz  de Reparto (Meryl Streep –infaltable xD-).
-Premios BAFTA: 4 nominaciones, ganador al Mejor Guión Adaptado (Charlie –y Donald- Kaufman)
-Festival Internacional de Cine de Berlín: 2 nominaciones, ganador del Oso de Plata a la Mejor Dirección (Spike Jonze).

Tenemos entonces al señor Charlie Kaufman (interpretado por Nicolas Cage), un guionista que luego de su éxito escribiendo “Cómo ser John Malkovich”, se ve enfrascado en un vacío inspiracional, cuando se le encomienda la tarea de adaptar para una película el libro “El ladrón de Orquídeas” de la aclamada periodista Susan Orlean (Meryl Streep).

Susan Orlean resulta ser una reconocida escritora del New Yorker, quien ganó gran reconocimiento por su intenso reportaje sobre un coleccionista y comerciante de flores llamado John Laroche (Chris Cooper); un desdentado amante del arte de las flores, irreverente en su actuar, cuya mayor pasión son las orquídeas, en todo su esplendor. Susan, posteriormente vuelca la historia hacia un libro, donde el tema central será la pasión, el cómo y porqué de la pasión que mueve al señor Laroche, y cómo a ella le encantaría poder experimentar una pasión de ese tipo.

Con esos antecedentes, Charlie se ve en un complejo escenario, ya que para él, el libro es hermoso, lleno de vida, con una historia sin acción, todo reflexión, ¿cómo hacer una película sin acción? Porque además Charlie quiere serle fiel a la historia y la intención que tenía la autora al escribir el libro… ¿cómo lograr hacer una buena película, interesante, profunda, llamativa y además, fiel a la idea del escritor? Compleja tarea de una historia sin historia.

Sumado a su frustración artístico-intelectual, se encuentra su horrible vida personal, ausente de chicas, con su inminente calvicie y sobre peso, desesperado por su patética soledad, y peor aún, abrumado por el éxito social de su hermano gemelo, Donald Kaufman (interpretado por el mismo Cage), también guionista, que quiere seguir los pasos exitosos de su hermano, escribiendo su propio guión sobre un trhiller policial, de un psicópata con personalidad múltiple (y todos aquellos clichés del cine que a todos nos encantan xD).

Para Charlie, Donald representa todo aquello que él no será jamás, un galán con las chicas, adicto a la vida, gracioso, sencillo y no se preocupa de lo que pensarán o dirán de él. Se establece una relación entre ambos de alter ego, donde uno admira lo que el otro hace y viceversa, aunque Charlee, en primera instancia ve el guión de Donald con cierto desprecio por tratarse de una historia absurda y re-contra repetida, poco a poco irá aprendiendo de la sencillez al escribir que posee Donald.

Además, Donald acaba ayudándolo en su búsqueda de un buen guión para “El Ladrón de Orquídeas”, ambos intentan destapar los misterios de las orquídeas, los misterios de la real intención de Susan, y los misterios de la vida misma.

Es una película interesante en todos los sentidos. Sumándome a las críticas de que es demasiado aparatosa, pero no me refiero al punto de vista del montaje y todo eso, más bien me parece aparatosa por toda la información que nos entrega; intenta abordar temas muy profundos y diversos: la auto superación, la pasión, la búsqueda de la pasión, el sentido de la vida, cómo hacer una obra de arte, la lucha entre el ser y el parecer, la lucha entre lo que queremos y lo que otros quieren de nosotros.

Ahora bien, analizándola a grandes rasgos la película tiene dos temas centrales, uno, centrado en Susane y su reportaje del señor Laroche, que habla de la pasión; hay un momento en la película en donde Susane nos cuenta que su gran pasión parece ser la búsqueda de una pasión, un problema muy presenten en la sociedad actual, por cierto xD. Porque debe ser bien potente, toparte con alguien como el señor Laroche, que tiene una pasión desbordada por algo tan ñoño como las flores, todos nos ponemos en el lugar de Susane preguntándonos ¿tanto tiempo y energía valen para la pasión? En un momento Laroche habla sobre sus pasiones anteriores a las flores, y de cómo dedicó tiempo, dinero y vida en ellas, pero cuando acabó la pasión, simplemente las deja y ya. Es ahí cuando Susane abre el debate de que eso resulta con los objetos porque no tienen memoria, pero cuando la pasión pasa por una persona, o por un grupo de personas, es más complejo, la gente recuerda y es mucho más complejo cambiar de una pasión a otra.

Y el otro tema va por parte de Charlie Kaufman (me parece que es el mismo que escribió “El eterno resplandor de una mente sin recuerdos”) y Donald Kaufman, quienes nos entregan una importante lección sobre humildad para quienes nos gusta escribir (más aún para los que escriben guiones), diciendo que por más recursos bobos que se puedan utilizar, una buena historia no va a perder poder por aquello.

Porque tenemos la situación de Charlie, quien está con un cerro de libros sobre plantas y cuanta cosa se pueda escarbar, con grabadora en mano intentando crear la obra maestra de la vida, rechazando clichés, burlándose del personaje de personalidad múltiple en manos de Donald, menospreciando la trama policial, porque claro, si hay algo más cliché que la personalidad múltiple, es la trama policial del psicópata en serie. Cuando Charlie dice esas cosas, nos da la impresión de que en algún momento se nos va a contar que Donald es en realidad una creación de la mente perturbada de Charlie, pero no, la idea del gemelo se mantiene firme hasta al final, eso confunde un poco xD, a mí me costó creer que de verdad era el gemelo y no la doble personalidad.

Es una película entretenida (aunque reconozco que me pateó un poco cuando comienza la persecución hollywoodense, pero es un detalle); y resulta bastante extraño ver a Nicolas Cage y a Meryl Streep en la misma película jajaja. Para la época en que se filmó la cosa no es tan raro, pero ahora uno lo analiza y es bien freak tener al señor cara eterna cuyo talento ya se presta para el chiste junto a la señorita versatilidad oscarforevah’. Pero bueno, funcionan, cuesta creerlo, pero funciona muy bien.

Muy entretenida y recomendable.

“Lo que es maravilloso es que cada flor tiene una relación especial con el insecto que la poliniza. Cada orquídea se parece a cierto insecto y atrae a ese insecto. Su doble, su compañero del alma. Lo que más quiere es hacerle el amor. Después de que el insecto vuela, localiza a otra compañera del alma, le hace el amor y la poliniza. Ni la flor ni el insecto entienden nunca la importancia de sus relaciones. ¿Cómo pueden saber que por su pequeño baile el mundo vive? Pero así es. Con hacer lo que fueron diseñados para hacer, sucede algo grande y magnífico. Ellos nos enseñan a vivir. Que el único barómetro que tienes es tu corazón. Cuando localizas a tu flor, no puedes dejar que nada se interponga.”

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Recordé esta película cuando escarbaba entre papeles de cuando estaba en un liceo de monjas xD, claro que no era tan brígido como el convento de la película, pero se logra apreciar una similitud en el legado pedagógico de mierda que ha tenido la iglesia católica en milenios maltratando gente:

The Magdalene Sisters, En el Nombre de Dios, Las Hermanas de Magdalena, es una película irlandesa del año 2002, escrita, producida y dirigida por el reconocido actor Peter Mullan, en poco más de 119 minutos, narra las vivencias de un convento de los años 60, basada en hechos reales. La película fue muy aplaudida por el rol social de denunciar un realidad oculta, sin embargo fue mal vista por el Vaticano, quien la calificó de rencorosa y rabiosa xD.

La cinta ganó el León de Oro a Mejor Película en el Festival de Cine de Venecia, además de obtener dos nominaciones en los Premios BAFTA: Mejor film británico y Mejor Guión Original.

Es el año 1964, tres jóvenes desconocidas son enviadas a un convento a cargo de las Hermanas de la Misericordia en nombre de la Iglesia Católica. Margaret (Anne-Marie Duff), luego de un confuso incidente con un primo de la familia, es acusada de seducir al muchacho a propósito y es enviada al convento. Bernardette (Nora Jane Noone), tenía una vida relativamente tranquila en un internado, pero es acusada de ser una mujerzuela por sus constantes coqueteos con muchachos que se paraban en la reja a conversar y por ser atractiva (lo cual parece ser un pecado para las hermanas de la misericordia). Y Rose (Dorothy Duffy), quien por un romance premarital queda embarazada, y el día del parto del bebé, su padre, sin dar explicaciones, ni siquiera deja que vea al lactante, lo entrega en adopción y a ella la envía con las monjas, quienes posteriormente la llaman bajo el nombre de Patricia.

El convento estaba lleno de prostitutas “rehabilitadas”, madres solteras, muchachas violadas o abusadas sexualmente, o simplemente, como en el caso de Bernardette, muchachas demasiado atractivas y sugerente, representando una amenaza para las buenas costumbres y la nobleza de los caballeros de la Irlanda de aquel entonces.

Irse a un convento no parecía tan terrible para las muchachas, sin embargo, al llegar se dan cuenta del estricto y poco humano régimen que mantenían las religiosas, obligando a las internas de todas las edades a trabajar en una lavandería para expiar sus pecados, sin recibir retribución alguna ni mucho menos un día libre al año. Lo peor de todo, es que el tiempo que se mantenían ahí era ilimitado, algunas mujeres morían de viejas ahí; las únicas maneras de salir eran, ser retiradas por algún familiar masculino directo, o escapar.

Es una película muy cruda, pero se me hace bien honesta, conociendo a las iglesia católica xD no me extraña que en los años 60, los conventos hayan estado plagados de monjas hijas de puta llenas de ideas burdas y sin sentido.

O sea, yo creo que para nadie es un misterio los abusos cometidos por la iglesia, especialmente contra mujeres (¿qué mierda tiene el mundo con las mujeres xD?), al que le sorprenda es porque ha estado viviendo en una cueva o en otro planeta.

Lo realmente llamativo de la película, a mi gusto, son ciertas escenas potentes, llenas de crueldad, como los castigos físicos que sufrían las muchachas (golpeadas hasta sangrar, o les rapaban la cabeza), o la escena donde todas las muchachas están desnudas frente a un par de monjas que, muertas de la risa, comparan los cuerpos de las jóvenes (quién tiene los senos más grandes, el trasero más pequeño, etc.)

Y bueno, para qué decir, el personaje de Crispina (Eileen Walsh), se lleva todos los aplausos, el mejor personaje de la película, en ella recae toda la crudeza de iglesia católica, en medio de su inocencia (podríamos decir que tiene cierto retraso mental), le cuesta comprender los castigos y la ilógica doctrina de las religiosas. Doctrinas que siguen muy vigentes hasta hoy… y pensar que el último convento de este tipo se cerró el 1992 o:

-Nota: la escena cuando están viendo las Campanas de Santa María, si no me equivoco, es muy chistosa y real jajaj xD

Es una película piola, precisa, entretenida y muy recomendable.

Hoy, damas y caballeros, les traemos una super fusión sensual. Hablaremos de un paralelo sensual entre las Carrie (1976, 2002, 2013).

1976: Una era escéptica del cine norteamericano, estaban todos revolucionados por las naranjas mecánicas y el rock psicodélico, imposible no unirse al espíritu de destrucción y hambre de arte; con la extensión de la guerra de Vietnam y el escándalo de Watergate, USA había perdido autoridad moral frente a sus conciudadanos, así que no era raro que producciones pequeñas, y casi siempre independientes, se convirtieran en éxitos de época por poseer ese espíritu rebelde de cabreo absoluto (Bonnie y Clyde, por ejemplo). Con todo este revuelo, Hollywood le comenzó a dar la oportunidad a nuevos directores (Martin Scorsese, George Lucas, Steven Spielberg, William Friedkin, etc.), que con sus ideas “locas”, cambiaron por completo el panorama del cine, restableciendo el apoyo al cine comercial (lo cual duraría muchos años)., con películas como Tiburón, El Exorcista, El Padrino, La Guerra de las Galaxias, etc; apoyo que había sido abandonado por el público en los 60’s.

Entre esos directores loquillos, se encontraba Brian De Palma, director de Carrie (1976). Un film de suspenso, escrito por Lawrence D. Cohen, basada en la novela homónima del imaginativo Stephen King (que tendrá excelentes ideas, pero escribe horrible, eso es muy triste).

La película recibió innumerables críticas, apuntando a que era un éxito de época, incluso algunos la catalogaban como la mejor película de suspenso de los 70’s, un retrato observador de nuestra sociedad y una peli completamente inolvidable. Hasta el día de hoy conserva su frescura de 90% en Rotten Tomatoes. Entre las nominaciones que recibió en diversas Premiaciones y Festivales destacan:

-Premios Óscar: Nominada a Mejor Actriz (Sissy Spacek), Nominada a la Mejor Actriz de Reparto (Piper Laurie).
-Globo de Oro: Nominada a Mejor Actriz de Reparto (Piper Laurie).
-Festival de Cine Fantástico de Avoriaz: Película ganadora del Galardon con el Gran Premio.

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2002: En los noventa se nos presentó una nueva perspectiva para el cine comercial (y el que no lo es tanto), los silencios inocentes y las historias pulp, llenaban la cabeza del espectador de referencias cinematográficas, de “nuevas” técnicas que llenaban la pantalla de tantos fotogramas, que más de alguno se le escapaba al espectador. Paralelamente en la industria de la música se potenciaban los videos clip, para los artistas (pop) del momento, que ya no se grababan a sí mismos en un escenario cantando y con colores raros de fondo (Jefferson’s Airplane, te invoco), hacer un video clip era todo un nuevo acarreo magistral (donde se apoyaban mucho de las nuevas y no tan nuevas, técnicas cinematográficas); estos vídeos se promocionaban por la televisión (el némesis del arte), y a pesar de que el mundo del cine criticaba mucho a los vídeos, al final terminó todo mezclado en un sentimental abrazo, donde incluso se llegaban a hacer producciones fílmicas para ser estrenadas exclusivamente en televisión (hay quienes dicen que una película no lo suficientemente fuerte, debe ser estrenada en televisión).

Es en el paso al nuevo siglo en donde aparece Carrie (2002), una de las versiones más fieles a la novela original (aunque bueno, todo el mundo sigue criticando que a Carrie nadie la retrata como la gorda granuda que se supone que es en el libro, personalmente creo que el look a lo Fern Mayo le viene). Un film hecho para la televisión, un remake que nació como un proyecto piloto para una serie en donde Carrie se va a vivir a Florida y con sus poderes ayuda a otros jóvenes incomprendidos como ella. Menos mal, el proyecto no surgió, y al final se elaboró este film dirigido por David Carson, y escrito por Bryan Fuller.

2013: Qué podemos decir del 2013? Todo es culpa de Obama, todo el mundo tiene miedo y la bolsa de valores ha bajado mucho. Muchos cinéfilos hablan de estos años como “la época en que Hollywood se ha quedado sin ideas”. Pero todos sabemos que no es que Hollywood se haya quedado sin ideas, simplemente les ha gustado tanto el dinero de las llamadas películas “de taquilla”, que ya no se arriesgan con películas nuevas que podrían fracasar, sin ideas frescas que podrían aterrorizar a la nueva ola de beatos a lo largo del mundo, y sin directores jóvenes (me parece una vergüenza que Steven Spielberg y George Luckas sigan haciendo películas… no sería malo si es que no se les hubiese atrofiado el cerebro, están cagando de lo lindo a sus propias películas).

Por otro lado, tenemos la industria del cine de terror, la cual pensamos que había culminado con El Exorcista (para mí, la mejor de terror de todos los tiempos), y que las producciones juveniles de asesinos en serie nos habían enseñado que esa fórmula ya es melosa y reiterativa. Sin embargo no, como esta industria cada vez se pone tan vacía como la industria de la música, hacen películas de terror para pubertos (o sea, Mama, Annabel, Ouija, son malísimas, y tienen una clara orientación hacia ‘cierto público’); y estas mugres no serían un éxito si el público actual, altamente globalizado e idiotizado, llenaran las salas donde exhiben estas producciones como si fuese lo mejor de lo mejor.

Así que toda esta fórmula de falta de ideas, terror cancerígeno, público idiota con dinero y producciones probadas para taquilla reventable, se da a luz a Carrie (2013).

Carrie (2013) es la tercera adaptación de la novela de Stephen King, y para mí, la peor. Dirigida por Kimberly Peirce y escrita por Roberto Aguirre-Sacasa; el mismo King al enterarse de la nueva adaptación quedó desconcertado “¿Por qué? Cuando la original es tan buena”. Con decirles que se rumorea que se pensó en Lindsay Logan para el papel de Carrie… me gusta cómo actúa la señorita Lohan, pero no es una Carrie, definitivamente.

Y para probar mi tesis del público idiotizado, Carrie (2013) ganó el premio a Mejor Película de Terror de los People’s Choice Awards…

Se supone que sería una versión completamente nueva de la novela de Stephen, pero al final no se aportó nada nuevo en la narración, a lo mucho más efectos especiales y cosas sin sentido. Tenemos entonces una Carrie que no pasa por fea ni por la ropa, cuyo acoso se hace más desagradable gracias a los smartphones y las redes sociales.

1976: Carrietta N. “Carrie” White (Sissy Spacek) es una muchacha terriblemente marginada, en parte por su extraño comportamiento con el mundo, en parte por su apariencia, pero todos sus males desembocan en su madre, una esquizoide fanática religiosa obsesionada con sus propias interpretaciones de la biblia; así que obliga a Carrie a vestirse de forma “decente” (ridícula), haciéndola un blanco fácil de las burlas, más aún cuando ella no se defiende por su personalidad tímida e introvertida. Una de las que más pone énfasis y crueldad en molestar a Carrie es la rubia Chris Hargensen.

Lamentablemente, para la mala suerte de Carrie, mientras van a las duchas luego de terminar una clase de educación física, le llega su primera menstruación como una gran marea escarlata (esos diálogos de Ni Idea). Carrie no tenía ni puta idea de que era la menstruación, pues su religiosa madre, como buena cristiana, jamás le había hablado de educación sexual ni mucho menos de anatomía femenina, así que Carrie llegó a pensar que se estaba muriendo. La Sra Collins, profesora de educación física, va a salvar a Carrie de las burlas de sus compañeras, que le arrojan tampones y toallas higiénicas. En tanto un foco explota de la nada.

Sue Snell (Amy Irving), fue una de las chicas que se burló de la pobre Carrietta (cómo no se van a burlar de ella con ese nombre), entonces le pide disculpas, se hace su amigua, e incluso convence a su novio de que invite a Carrie al baile y toda la cosa.

Pero los celos de Chris -la rubia- (celos de qué, nadie sabe, todo era por martirizar a la pobre Carrie) se salen de control, (Alerta de SOILER) y planea una broma de lo peorsss para humillar a la otra desgraciada; va junto a su novio de turno en busca de sangre de cerdo, hacen que elijan a Carrie como la reina del baile y la empapan de la cabeza hasta los pies de sangre. Humillada, Carrie deja la grandísima cagada en el gimnasio.

2002: En general la historia de Carrie no varía considerablemente en las tres versiones; sin embargo, en la Carrie (2002) es la única que sacó a la luz la escena de una Carrie pequeña, que por curiosidad al ver a su vecina asoleándose con los senos al aire, le pregunta inocentemente que carajos son esos bultitos, y para desgracia de la niña, su madre la descubre, la encierra en su casa para castigarle y entonces empieza una lluvia de rocas que destruye casi por completo la casa y sus alrededores.

Para mí esta Carrie es la mejor, no tanto por la película en sí, sino por la increíble actuación de Angela Bettis, la flacuchenta le pone con su interpretación de la clásica inadaptada.

2013: Como hoy en día la juventud idiotizada que repleta las salas no puede ver algo juvenil que no tenga un SmartPhone en las manos, en la escena en que a Carrie le llega la menstruación en las duchas, la graban para compartir el video por la escuela y la blablabla.

Cuando el Astronauta vio esta peli, le aposté, sin verla, que la única gran diferencia es que la película era igual, sólo que en esa escena la grababan con un Iphone, y gané.

Y bueno, la Carrie que eligieron no me gustó para nada; Chloë Grace Moretz, the new Carrie, no, hay algo en esa actriz que me no agrada del todo, lo reconosco, aunque también le reconocemos sus buenos papeles; aún así no me acaba de convencer y cuando la vi como la fenomenoide de King, acabé odiándola.

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2002: En esta versión la telequinesis de Carrie se muestra de una manera muy sutil (en la de 1976 también, pero no tanto), incluso, podríamos llegar a la conclusión de que Carrie se imaginaba que movía los objetos con su mente (pero claro, como la historia es más que conocida, no nos imaginamos eso).

2013: Aquí la utilización de poderes llega a ser patética; uno de los patrones del cine de terror moderno es mostrar la mayor cantidad de efectos posibles, mezclados incluso con esa mierda de los enfoques para la presentación en 3D, uff!! Ahí es donde nace una Carrie que nos recuerda más a una Jean Grey de los X-men (incluso ella convertida en Fenix se quedaba quieta con el alboroto a su alrededor), moviendo los brazos, con cara de fua! Fua! Fua!, mueran!!!, cuando se supone, por lo menos mirando las dos versiones anteriores, que Carrie entra en una especie de transe, por decirlo así. A la del 2013 yo la veo bien consciente del daño que está provocando, o sea, es una malvada sin precedente. Sin mencionar las interminables escenas donde experimenta algún tipo de práctica de su telequinesis, cuando se supone que Carrie como que le cuesta controlar la cosa.

1976: En esta versión la vida de Carrie acaba en los brazos de Sue, muriendo desangrada después del desastre de la graduación y de una sensacional batalla con su madre.

2002: Carrie no muere, es ayudada por Sue para escapar hacia Florida y comenzar una nueva vida, quién sabe cómo. Simplemente escapa la muchacha después de matar a todo el mundo. Y fin.

2013: Carrie muere como en el libro (algo bueno de la versión, al fin), aplastada por la casa. Luego viene un testimonio de Sue frente a un jurado que está estudiando las muertes ocurridas en extrañas circunstancias, y finalmente se muestra la tumba de Carrie, que para ponerle colorsss se rompe así como desde el más allá (sinsentido.com). Oh… que terrible.

En general es una historia entretenida, cualquiera de las tres películas va a servir para conocer el cuento de King, pero por lo menos para mí, la mejor es la versión del 2002, la más fiel al libro, y tiene un elenco que funciona en muchos niveles; en una escala del 1 al 10.

-Carrie 1976: 8.
-Carrie 2002: 9.
-Carrie 2013: 3.

Cambio y fuera.

Damas y caballeros, hoy les traemos una de las grandes maravillas del cine Españolísimo:

Hablé con ella, es una película española del año 2002, estrenada en las salas españolas el  15 de Marzo, escrita y dirigida por el siempre genial Pedro Almodóvar.  112 minutos de un drama apasionante, que dejó impresionados al público y a la crítica, quienes pensaban que “Todo sobre mi Madre” era la obra culmine de Almodóvar, pero entonces le llega otro aire de inspiración poética y sale con esta cinta.

Entre las decenas de galardones que obtuvo la maravillosa película, se encuentran el Oscar al mejor guión original (premio difícil para alguien no-gringo xD), el premio Goya a la Mejor Banda sonora (aunque recibió, dentro del mismo festival, una serie de nominaciones además de esa),  y el Globo de Oro a Mejor Película de habla no inglesa.

Esta es una película que habla de todo, eso es un sello muy característico de las buenas películas no-estadounidences.

Tenemos por un lado a Marco Zuluaga (Darío Grandinetti), periodista y escritor de guías turísticas, quien por una serie de eventos conoce a la sensual torera, única en su rubro, Lydia González (Rosario Flores), quien, lamentablemente, sufre un grave accidente tras recibir una cornada de un toro en medio de un espectáculo; cae en coma.

Y desde la otra arista tenemos a Benigno Martín (Javier Cámara), un enfermo afeminado, muy trabajólico y delicado en el trato a sus pacientes, quien está encargado de hacer turnos para cuidar a una paciente en coma desde hace 4 años llamada Alicia Roncero (Leonor Watling).

Es en el hospital donde está internada Alicia, que Marco conoce a Benigno, quien le insiste que a pesar del estado vegetativo en el que se encuentran las muchachas (Alicia y Lydia), como buenos varones deben ocuparse de ellas, cuidarlas, ver que estén siempre presentables, con todas las delicadezas que una mujer postrada y una sana requieren. Incluso, hablar con ellas parece ser algo obligatorio para Benigno. Tenemos en la pantalla la imagen de las mujeres, literalmente, como unas muñecas.

Aquí comienza una serie de sucesos que nos llevan por una montaña rusa de emociones; el personaje más fome es Marco xD, porque bueno, él no hace mucho más que existir y ver como las cosas ocurren a su alrededor (muy propio de los escritores jajaja).  Quien nos aventura por la cinta es Benigno, un personaje muy digno de analizar a fondo, un Petter Pan moderno, trastornado, con inclinaciones por la necrofilia (¿quién carajo se enamora perdidamente de una mujer en coma?  :v) Perdido en su propio Wonderland siguiendo a Alicia.

Es difícil juzgar a este tipo de personajes (mirando las cosas de una manera objetiva, sin prejuicios). Esto es casi como una alegoría macabra a la “Bella durmiente”, bueno señoras ¿no les gustó tanto la idea del príncipe que las besaba en sus sueños? Jajaja.

Sin duda, uno de los momentos más hermosos de la película (alerta de posible SPOLIER) es cuando Benigno le narra a la durmiente Alicia una película muda que vio; es una película ficticia (ficción dentro de ficción, es como para sacarse el cerebro), donde una científica inventaba una pócima para adelgazar a su rechoncho amante. Pero algo sale mal y el pobre comienza a encogerse cada vez más. Un día decide irse, y la científica lo busca por todos lados… hasta que un día lo encuentra; duermen juntos, y nuestro pequeño hombre, mientras ella duerme, recorre su cuerpo como si fuera el mismísimo mundo, hasta que llega a la gloria entre sus piernas y decide que es momento del retorno al útero, y se queda a vivir dentro de ella :D Un poco retorcido, pero con un sentido muy bonito.

Recomendable al mil por ciento.

“- El cerebro de la mujer es un misterio. Y en este estado más. A las mujeres hay que tenerlas en cuenta. Hablar con ellas, tener un detalle, de vez en cuando. Acariciarlas de pronto. Recordar que existen, que están vivas y que nos importan. Esa es la única terapia. Se lo digo por experiencia.
– ¿Y qué experiencia tienes tú con las mujeres? Benigno, ¿qué experiencia tienes tú con las mujeres?
– Yo toda. He vivido 20 años día y noche con una y llevo 4 años con esta.”

Ken Park (2002)

Publicado: 27/06/2015 de bocadecenicero en Películas
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Estoy en pleno convencimiento de que antes de morir, hay que disfrutar de la mayor cantidad de delicias mundanas que nos ofrece la vida. Entre esas, mirar todas las películas que se puedan, de todos los géneros, países, etc. En esa insaciable búsqueda, es donde me he encontrado con interesantes descubrimientos… hoy iremos con algo más real, así podemos seguir con de nuestros guionistas favoritos: Harmony Korine, que en esta ocasión nos ofrece Ken Park.

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Año 2002, y la fusión ganadora del guión de Harmony con la dirección de Larry Clark, termina por parir un filme controversial (muy al estilo de estos dos), sobre la vida de un grupo de jóvenes inmersos en el mundo de skate-board.

Se dice que Korine basó gran parte de la película en experiencias que el mismo vivió siendo un skater, y le plantea la idea al señor Clark, quien también tuvo una turbulenta juventud; sin embargo, la película nace como un resultado de dos antecesoras: Bully y Kids, sólo que ahora se van a la mierda con las escenas de sexo explícito, y muestran un lado aún más crudo de lo que significa ser una adolescente desorientado en una sociedad enferma.

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Tenemos un grupo de jóvenes en la ciudad de Visalia, centro de California.

Basura blanca en medio de sueños frustrados; un chico pelirojo que se mata en un campo de skate, ante la mirada de otros muchachos.

Un jovensuelo repugnante, pubertoso de pelo tieso que se además de tener a una novia de ensueño masculino, se da el placer de serle infiel con su suegra. La madre, eterna rival de la juventud de su hija, no parece molesta con los cariñosos momentos junto a su yerno.

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Una libertina sexual escondida de su padre bajo la facha de una buena cristiana, en los momentos que su ojo de gran padre no pesa sobre su persona, se libera a los placeres que conlleva la plenitud hormonal.

Un pobre chiquillo que sale a flote en medio de la vida hostil urbana, tiene una familia miserable y un padre tirano.

Un psicopático consentido criado por sus adorables abuelos, que se masturba mientras se asfixia…

Esto es Ken park, un popurrí incontrolable de hormonas, de drogas, de todo aquello que rodea a ciertas juventudes desenfrenadas.

Con el mundo del skate, los grupos hardcoremo que decoran las paredes, una tribu urbana sin ideología, sin bandera ni himno. Simplemente pararse arriba de un pedazo de madera para olvidar la existencia.

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Con el constante sello característico de las películas de Clark y Korine: la realidad de sus personajes. Porque son personajes tan de la vida, que llegan a traspasar las barreras de la irrealidad; muchos penes y sudor, gente que no se baña y caras feas, una película que tendenciosa, provocadora, busca el asco, desprecia la belleza del cine convencional… y lo logra…

Recomendable… sí, ¿por qué no?

Mientras me quejaba de las 50 Sombras de Grey, recordé esta película que vi hace unos años. Admito que esta es de las pocas películas que he comenzado a ver con un gran entusiasmo, pues la historia me llamó de inmediato la atención.

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Scretary, una encantadora película del año 2002 con unos fotogramas simples pero llamativos, dirigida por el señor Steven Shainberg, co-escrita por Mary Caitskill, Steven Shainberg y Erin Cressida Wilson, basada en un cuento de Mary titulado “BadBehavior”. Trata el encantador tema de una extraña historia de amor entre una masoquista y un sádico; muy tragicómica.

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La historia comienza con la desiquilibrada señorita Lee Holloway (encarnada en la talentosa Maggie Gyllenhaal) que luego de un terrible episodio de automutilasión (recordad que ella es media masoquista) pasó un tiempo hospitalizada y ya está ‘lista’ para retornar al mundo real y apestoso de la vida laboral y social.

Como no sabía bien qué hacer con su vida, saca un curso de mecanografía, para ir en busca de un nuevo empleo lo suficientemente lucrativo. Por cuestiones del destino llega a dar con la oficina de un extraño abogado llamado Edward Grey (James Spader).

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Para la sorpresa de todos, a pesar de la nula experiencia laboral, su torpe comportamiento, y su impresentable apariencia personal (es algo así como un niñata intentando vestirse con la ropa formal de mamá), consigue el empleo de secretaria. Aquí es cuando se pone bueno.

Lo rico de esta historia, es que encarna de muy buena manera la dinámica sumisión-dominación (que algunos sujetos dominantes tanto les encanta), no como OTRAS que no saben nada -cof50sombrasdeGreycof- Ambos personajes están muy bien echos, aunque el de la señorita Holloway se lleva mis aplausos, muy bien interpretada la torpesa, la perversión con que pide a gritos la sumisión de su amo el señor Grey.

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Comienzan los juegos perversos de a poco, con pequeños reproches que el señor Grey le hace a Lee por errores en su trabajo, donde es castigada en la privacidad de la oficina del abogado. Hasta llega un punto (SPOILER, pero es que me encanta esta parte) en donde él la llama a la hora de la cena y le dice que debe comer sólo un chicharo y una cucharada de pure, todo frente a la mirada atónita de la familia Holloway, las fantasías de un loquillo echas realidad ¿Quién podría negarse a la felicidad del prójimo? Definitivamente los juegos sexuales están muy bien logrados entre estos dos.

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Es un film bastante quitado de bulla, pero aún así no deja de ser interesante y entretenido, una pareja explosiva, encantadora, y muy compatible. Fue una muy digna adaptación del cuento original, que a pesar que le añadieron más cosas para que pudiera convertirse en un largometraje, no perdió la idea principal, como a muchas otras adaptaciones les ha pasado.

Lo único que podría criticarse es que no es para cualquier público, porque he leído muchas opiniones de que es aburrida, pero en lo personal es un relato muy divertido sobre dos ‘enfermizos’ y ‘locos’ que se encuentran en un momento de la vida, es el sueño de todo inadaptado.

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Nos quedamos con el lema de la película y sus pintorescos personajes:

“Asume tu posición”