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Melancholia (análisis).

Publicado: 05/11/2016 de bocadecenicero en Cine
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Hace un tiempo encontré un análisis medio filosófico, medio psicológico de Melancholia; lo encontré hoy entre medio del desorden del computador (increíble que el ser humano haya inventado una nueva forma de desordenar, admirable). Se las traigo hoy, copy paste total (con falta ortográfica y todo), y bueno, no me acuerdo de dónde la saqué, sólo recuerdo que era de una de las cientos de páginas y grupos de cine que tengo en facebook. En fin; la dejamos a modo de reflexión para conocer un nuevo punto de vista para mirar la belleza europea parida por Von Trier:

“MELANCHOLIA”: “INVERSION DEL MITO DE LA CAVERNA

Escrito por: Luis Boj

A pesar del cataclismo cósmico, Melancholia habla también de la depresión. Se ha dicho que el escenario de la catástrofe no es sino el reflejo exterior del caos interior de Justine, el personaje principal. Sin embargo, parece más razonable interpretar ambas dimensiones significativas como indisociablemente unidas.
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La película consta de dos partes, relativas a las vivencias de Justine (Kristen Dunst) y su hermana Claire (Charlotte Gainsburg) durante el peligroso acercamiento de un planeta errante llamado ‘Melancolía’.
El film comienza con un preludio, acompañado de la música de Tristán e Isolda de Beethoven, donde se anticipan imágenes del catastrófico final. El tempo en el cual se suceden estas imágenes, dotadas de un gran lirismo, se encuentra ralentizado, como si el campo gravitacional de Melancolía se hiciera sentir ya en el espacio-tiempo.
A continuación, la narración se centra en la boda de Justine con Michael (Alexander Skarsgård) en la mansión de John, el marido de Claire (Kiefer Sutherland). La ceremonia, minuciosamente preparada por Claire y pagada por su marido, consiste en un desfile de oropeles y banalidades propios de la alta burguesía, un pretencioso escaparate de pompa y lujo que no logra, sin embargo, ocultar las desavenencias familiares y, en general, la fragilidad y violencia implícita en toda relación humana. Justine deambulará por su propia fiesta de boda librando una intensa lucha interior contra su estado de melancolía y temor en un intento de guardar las formas y comportarse como todos esperan que lo haga. Conforme avanza la fiesta, una desestabilizada Justine se rebela contra la hipocresía y la arbitrariedad de las absurdas convenciones burguesas que anuncian un futuro matrimonio marcado por la pobreza de espíritu y el comedimiento propio de un estilo de vida que no es el suyo. El clímax de su caótica e impulsiva conducta tiene lugar cuando Justine se abandona a un improvisado affaire sexual con un invitado que propiciará la ruptura con Michael.
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En la segunda parte de la historia, Claire, tras el desastre nupcial, acogerá en su casa a su hermana, sumida en una profunda depresión. Cuida de ella y dan largos paseos a caballo. El planeta Melancholia se acerca a la Tierra y Claire empieza a sentirse inquieta. Trata de buscar tranquilidad en el optimismo de su marido, que ha investigado personalmente las probabilidades de desastre y se ha acogido al pronóstico tranquilizador de los científicos. Pero el temor de Claire no desaparece, y Justine no tiene duda alguna de que el cataclismo tendrá lugar. Claire sorprenderá a su hermana desnuda en la noche, tumbada junto al río, sobre la hierba, contemplando en gigantesco astro como quien espera a su amante, representando la terrible y sensual escena de la eterna pugna y la poderosa atracción entre Eros y Thanatos. Tras creerse a salvo al contemplar a Melancolía alejándose de la Tierra, Claire descubrirá, al amanecer, que ambos astros se han enzarzado en una danza de muerte, atraídos por sus respectivos campos gravitatorios. Las dos hermanas, junto a Leo, el hijo de Claire, deberán decidir qué hacer durante los últimos momentos antes de la aniquilación total.
En consonancia con el sentir postmoderno, Melancholia es un film eminentemente nihilista y antimetafísico. Si la metafísica de todos los tiempos se ha caracterizado por apelar a una realidad o núcleo ideal, suprasensible, donde el ser humano pudiera proyectar sus esperanzas de trascendencia más allá de la finitud y la corrupción mundanas, el nihilismo ha ido dejando a dichas aspiraciones sin suelo firme donde pisar. La ciencia ha producido un progresivo desencantamiento del mundo, pero la metafísica sobrevivió durante la modernidad reapropiándose de las esperanzas de trascendencia y conservándolas ocultas en aquello que se configuró, en la Ilustración, como idea de progreso. La metafísica pasó de vivir cómodamente en las promesas de bienaventuranza y salvación eterna del cristianismo medieval para subsistir en forma de felicidad secular en la contribución al progreso ilimitado de la razón y la civilización.
Sin embargo, la problematización de la idea de progreso en el panorama postmoderno ha contribuido a asediar a este reducto metafísico. Ni la inmortalidad del alma, ni el progreso, ni la utopía posthistórica, ni la racionalidad instrumental y su dominio sobre la naturaleza pueden salvaguardar la trascendencia humana en un universo en constante entropía.Melancholia invita a rememorar la declaración con la que un joven Nietzsche encabezaba su Sobre verdad y mentira en sentido extramoral: ‘En algún apartado rincón del universo centelleante, desparramado en innumerables sistemas solares, hubo una vez un astro en el que animales inteligentes inventaron el conocimiento. Fue el minuto más altanero y falaz de la ‘Historia Universal’: pero, a fin de cuentas, sólo un minuto. Tras breves respiraciones de la naturaleza, el astro se heló y los animales inteligentes hubieron de perecer’.
Lars von Trier podría haber elegido un agujero negro, tormentas de Rayos Gamma procedentes de alguna supernova u otros cataclismos que hoy consideramos probables para representar la misma idea que Nietzsche: que la eternidad no está al alcance del ser humano ni de sus obras. Sin embargo, Lars ha optado por la colisión de dos colosales astros, haciendo honor a los cánones de belleza y perfección que los antiguos concedían a las esferas celestes.
Como en la cita de Nietzsche, la negación de la humana trascendencia se encuentra ligada, en Melancholia, a una crítica al conocimiento y su ‘altanería’, es decir, a la fe en la verdad, que aunque se vista con los ropajes de la ciencia es heredera de los anhelos eternizantes de la providencia cristiana. Es difícil no identificar en el film la adscripción de Lars a la crítica postmoderna al cientifismo positivista: John, como sujeto burgués y ocioso -es decir, Ilustrado- que puede permitirse el lujo de emplear su tiempo comprobando los cálculos, profesa una fe dogmática en el paradigma científico. Sólo cuando cree que todo peligro ha pasado se muestra débil y humano, asumiendo la posibilidad de error. Y cuando advierte que todos los cálculos eran erróneos, cuando su fe se desmorona, corre y se oculta para suicidarse, abrazando una muerte miserable en la cuadra, entre las bestias.
En la misma dirección apunta la sensibilidad de Justine, una especie de clarividencia intuitiva. Ella se identifica con la ‘Ophelia’ de John Everett Millais, con lo cual parece sugerírsenos una relación entre locura y lucidez. No queda claro en qué sentido podría ser coherente la clarividencia de Justine con la ausencia absoluta de trascendencia religiosa o mística en el film. El elemento visionario siempre se ha relacionado con una realidad suprasensible, fuente de toda revelación. Pero en Melancholia, lo que espera al espectador tras los créditos es la más absoluta nada. La intuición de Justine es, podríamos decir, similar a la de los caballos. Podríamos interpretarla como la lucidez nihilista de quien no se deja cegar por profesión de fe alguna, pero esta explicación es insatisfactoria, con lo cual, es más plausible reconocer cierto afecto del director al irracionalismo romántico.
En el desenlace de la película, Justine le dice a Leo, su sobrino, que ella puede construir una cueva mágica que les proteja del trágico desenlace. Juntos cortan unas cuantas ramas y las aseguran en el suelo, sujetas por la parte superior. Ambas hermanas, junto al pequeño, se introducen en el interior del círculo mágico cogidos de las manos. Mientras Leo espera, con los ojos cerrados, a que el sortilegio surta efecto, asistimos a la angustia de Claire como madre y a la aceptación —no sin sufrimiento— de Justine que, sin embargo, en cierto sentido se libera del sufrimiento del mundo, pero también se redime por haber podido ayudar, por una vez, a su hermana Claire dándole fuerzas suficientes para afrontar junto a su hijo el inminente final. Justine extrae su fuerza de su sufrimiento y su desapego a la vida, mientras Claire, quien adolece de la necesidad neurótica de poseer el control, se enfrenta al peor de los escenarios posibles. Justine no tiene nada que perder, y se permite la libertad de un último acto de bondad con Leo y su hermana.
Podríamos aventurar la hipótesis de que en el desenlace de Melancholia hay una inversión del mito de la caverna. En Platón, la condición humana se asemeja a la situación en el interior de la caverna, donde las sombras de lo aparente se convierten en el engaño acerca de lo real. La salida de la caverna representa el acceso a la verdad. En el film, la aterradora verdad del exterior, donde el ser humano se encuentra desprotegido por un entorno hostil, introduce a estos personajes en la caverna, en busca de una protección mágica imposible, en un espacio donde, por obra del autoengaño voluntario, puedan fingir que poseen el control. El dato que nos indica una antítesis de la alegoría platónica es el hecho de que se utilice el término cueva (cave, en la versión original, que puede traducirse también como ‘caverna’) cuando en realidad se trata de una especie de cabaña (cabine). En algún sentido podríamos decir que Melancholia desconstruye la alegoría de la caverna. Las declaraciones del propio Lars sobre el significado de la cueva mágica apuntan en esta dirección al mismo tiempo resultan insatisfactorias a la luz de su potencial como símbolo: el sentido de la cueva mágica, en palabras del director, ‘puede tener que ver con la religión’.
No se trata de desdecir aquí al realizador, pero sí podríamos indicar que no hay nada en el símbolo de la cueva mágica que restrinja su sentido al misticismo religioso. La cueva es un constructo, un simulacro para luchar contra la ruptura radical con la trascendencia. La cueva es la metafísica, desenmascarada como mera mentira piadosa, contada para disipar los temores de un niño.

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Itsi Bitsy.

Publicado: 16/10/2016 de bocadecenicero en Cine, Imbéciles
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Sinceramente con el descubrimiento que tuvimos hace unas semanas, creo que Netflix debería considerar la seria opción de contratarme como parte del equipo de reseñas (¿egocentrismo?, ¿dónde?); porque sus reseñas son una mierda. Entiendo que quizá en este caso era una película quizá no muy popular ni muy buena, pero de todas formas, hasta la película más rasca se merece una descripción digna; y esto, no es digno.

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La entropía del ser.

Publicado: 17/07/2016 de bocadecenicero en Historias de interés
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Me siento un poco más iracunda o deprimida, no sé, me cuesta notar la diferencia. Y por algún motivo recordé todo lo que me ha salido mal en la life, como ese mecanismo de la evolución, que nos dice que nos matemos, porque como ya no hay depredadores para nuestra especie, tendremos que matarnos nosotros mismos para equilibrar un poco el asunto. O matarnos entre nosotros. Lo que se dé primero, supongo. En fin. En medio de la ira y la depre, recordé uno de mis menos desastrosos fracasos, porque bueno, no pude hacerme cargo de aquello, mi mente no lo parió, y no me dejaron criarlo a mi modo. Murió sin remedio, y lo único que me dio pena, fue no poder verlo nacer, aunque haya sido muy deforme y sin esperanza alguna de respirar.

Érase una vez por medio de una muy soñadora iniciativa (no mía, por cierto), me vi envuelta en la creación de una película independiente. Era emocionante saber que podía ser parte de algo así de absurdo e inestable (un minuto de silencio por todas las películas abortadas, los no natos algo malo tenían).

Bueno, realmente el mérito no fue mío, estar dentro del equipo creativo fue una jodida coincidencia, más de la mitad de las personas que estaban dentro de dicho grupo me caían pésimo, y conocer su parte “creativa”, me hizo odiarlos aún más. De todas formas en un comienzo fue emocionante.

La historia de la película la crearon unos sujetos en medio de una tarde de machos y cerveza. Les llegó la “fabulosa” idea de hacer una película, que entre medio iba a llevar animaciones (ese se supone que iba a ser mi gran aporte, pero terminé dentro del equipo del guión, además), y se trababa de un joven, cuya novia había muerto, y el se volvía loquito. No era una mala idea, en serio, un poco cliché, sí, pero tenía potencial.

Supe que algo andaba mal, cuando los imbéciles a cargo le pusieron como título (muy osado, porque la película no tenía ni pies, ni cabeza, ni brazos, ni piel, ni nada), “La entropía del ser“, el sólo escuchar eso me provocó ñañaras en el oxipusio y las falangetas.

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No pude evitar reírme, pero creo… CREO, que nadie se lo tomó como un gesto ofensivo.

Entonces, además de un nombre espantoso, teníamos a Christian (para que sepan, su nombre no fue al azar, por alguna misteriosa razón que aún no logro comprender del todo, le pusieron así para aludir a don Yisus Craist, Jesús para los desentendidos, onda como una alusión a la cristiandad, no sé, era una reverenda porquería ese nombre), quien provenía de una familia acomodada, de madre muerta, ausente, no recuerdo bien a qué consenso llegamos, si la vieja murió durante el parto, o lo abandonó en una triste noche de lluvia.

Ah claro, pero estaba descontento con su vida porque su padre era un mierda que siempre estaba de viaje; pensaban usar el cliché de que fuera un senador, alguna mierda del gobierno por el estilo, alguien poderoso y que viajara mucho, no lo iba a interpretar nadie en pantalla, iba a ser una simple voz (lo cual no es mala idea).

A todo esto, la novia del susodicho Chris, llamaba Blanca (una forma shuper originalsss, de decir que él la ve pura y casta), se murió, nunca llegamos a determinar como, yo apoyaba la tesis del suicidio o la sobredosis por droga, un suicidio escandaloso y muy solitario (incluso me agradaba la idea de que se tiraba de cabeza en algún centro comercial bien concurrido), mi argumento era (porque además, con el avanzar del film, el público se daba cuenta de que en realidad, Blanca era una culia hija de perro -supresión del machismo-) de que no podía morir de otra forma, ya que eso es más chocante, y le da como una cachetadita a Chris para que entendiera de una buena vez que era culia y se murió. Algunos dentro de la producción en cambio, apoyaban la idea de que ellos estaban en un lugar X, y llegan unos hueones a violársela, y que Christian veía todo, y la chiquilla moría desangrada por su no tan inmaculada vagina. Muy dramática esa escena. Y no conocíamos actores amateurs dispuestos a recrear la brutal violación. Como sea. Parece que al final ganó la violación, supongo que una dama ni siquiera puede decidir morir por su puta cuenta, porque tiene que haber un sujeto en medio metiendo pene y opinión para matarla. Al menos ese fue mi análisis enfadado de la escena jajaja.

Pero por cierto, Christian, al comienzo de la película estaba en un completo estado de negación y el publico no tiene puta idea de qué pasa, el conversa con su padre por teléfono (alcanzamos a escribir un par de escenas sobre esto), camina por las calles de la ciudad, hasta andaba por las dunas de Concon, y por la playa de Viña del Mar, de a poquito la “atmósfera”, se iba a poner cada vez más cuática (los escenarios, la paleta de colores en pantalla, los personajes); tenía potencial… pero este fue el vivo ejemplo de que las malas ideas en gente de mucha confianza en sí misma, pueden arruinarlo todo.

Había un personaje que me gustaba mucho, y no lo creé yo, creo que se llamaba Soberbia, o Sarcasmo (era con “s”), no me acuerdo, pero la cosa es que había personajes sin nombre y otros que tenían nombre, y se representaban por un color (que se supone que estaría indicado por filtros de cámara, o por la ropa, no sé), y a su vez, ese color también tenía una “emoción”; quiero aclarar que una idea tan boba no se me ocurrió a mí (me parezco a red justificando la mala comida xD).

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Porque bueno, la idea de ir cambiando las atmósferas y la paleta de color con respecto a la aparición de los personajes, me agrada, pero creo que eso de además ponerles sentimientos era un real mierda jajaja, porque se supone que el cabro estaba tan loco, que se desdoblaba y sus emociones se presentaban a sí mismo por medio de otros seres (unos reales y otros un mero producto de su imaginación) y no me van a creer, pero una de las cosas más graciosas es que unos meses después estrenaron “Intensamente” (“Inside out”), jajajajaja, era como para cagarse de la risa.

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La cosa es que este personaje, era una invención de la cabecita loca de Chris, lo ve dentro de sus peores momentos. Es una especie de sociópata (bueno, un estudiante de psicología que estaba dentro de la producción corrigió el término, aludiendo a que sociópata era otra mierda, qué sé yo), o psicópata, la mierda que sea, medio homosexualo mariquita, porque, parte de mi aporte, dictaba que fuera como una especie de Claudio (Alfredo Castro) en “Fuga”, la idea, según yo, es que este personaje identificado con el color naranja, fuera un culiao pesado, con la cadera quebrada con arrogancia, que fumaba más que la cresta, un personaje muy irónico; una escena que me gustaba mucho, y de hecho hice un par de fotogramas en dibujo, como para poder explicarla mejor, era una donde Christian ya estaba muy frutilupi, y el tipo naranja lo empieza a molestar, y a molestar, a seguir, entonces Christian pierde el control y le empieza a sacar la mierda, mientras nuestro “Jocker” naranja, se ríe y se ríe y se sigue riendo.

Otro personaje que me gustaba era una chica que estaba enamorada de Christian, parece, no recuerdo bien como era el chisme, era una loquilla arrebatada, que rompía cosas, que gritaba como enferma y se vestía de forma muy sexual sensual. Iba a ser muy difícil encontrar una actriz para esta mujer, porque al menos logramos llegar al consenso de que tenía que ser una chica muy guapa, o por lo menos con aires muy sexuales, y a su vez con ojos de loca de remate. Estaba representada por el color rojo y me agrada la idea de que tuviera senos enormes; fue un debate lo de los senos, unos dijeron grandes y blandos, otros decían que no tan grandes, y más duros. Qué importa xD.

Una de las cosas interesantes que tenía la película es que se suponía que después Chris iba a ir transformándose en mujer, no había consenso de si iba a transformarse en la viva imagen drag queen de Blanca, o simplemente se iba a travestir por locura. Me gustaba la idea de que se transformara en ella, le daba un plus. De echo pensamos en una escena en la que él se maquillara de forma enfermiza. Mi idea es que esa escena fuese bien horrorosa, como cuando Baby Face de niño se corta la cara frente al espejo.

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Pero bueno, debo decir, con mucho resentimiento xD, que gran parte de mis ideas no fueron consideradas. No creo que esa haya sido tan mala. Porque mi idea era que fuese muy oscura, como para darle un encause más incómodo a la película, porque tenía temas incómodos para el público común y corriente, entonces, tenía que ser fuerte, irónica, incluso chistosa. En fin…

Los otros en cambio la veían como medio bohemia under ultra simbólica. Osea, eso es algo que puedo decir que he aprendido viendo cine francés, que muchas veces las escenas, los personajes, ciertas cosas que vemos en pantalla, no tienen porque tener un sentido oculto, los pastiches de Tarantino y las ilustraciones de Pink Floyd, arruinaron el sin sentido de nuestra existencia. Y bueno, no tengo nada contra The Wall, y me encanta Kill Bill, pero mis compañeros de producción eran unos imbéciles jajaja. Creo que la película estaba muy cargada de todo, demasiado.

Había un sujeto, parte del equipo encargado de hacer la música, contábamos con un equipo de músicos barbones, alternativos, amantes de Pink Floyd; el susodicho también ayudó con el guión (a ratos, parte de la idiosincrasia del músico chanta chileno es ser “disperso”, puaj!), y a cada rato el tipo decía “pero es que esto tiene que ser así, como en -inserte algún vídeo o película- de Pink Floyd”, me tenían enferma, todo, sobretodo las partes animadas, tenían que ser con algo del maldito Pink Floyd, dios santo!, querían hablar de los sistemas de poder, con caricaturas de poderosos manejando marionetas, y hablar de la contaminación con humo bailarín, y el dominio de la tecnología con computadoras que tenían tentáculos que se arraigaban a la tierra, querían hablar de tanta mierda, y en todo metían a Pink Floyd. No me mal entiendan, Pink Floyd no era el problema, el problema era que yo pensaba “cielos santos, que acaso estos no han conocido otra buena animación ni otra buena música en la puta vida”.

No tenía caso discutirlo. Hasta a mí me gustan las animaciones de esos sujetos. Pero por favor, ustedes no son Pink Floid!!! xD

rotten

Siempre quise una polera así :c

La peor de las escenas que alcanzó a tener la producción, era realmente espantosa. Teníamos varias escenas en mente. Mis favoritas eran cuando le pegaban al sociópata naranja y otra donde la chica iracunda de rojo se insinuaba y luego enloquecía. U otra donde la mejor amiga de Blanca (una lesbiana del closet ultra depresiva), donde intenta besar a Blanca, me agrada la escena, porque el personaje tenía mucho de donde sostenerse. No me gustaron nunca las escenas de animación. Y eso que me gusta la mezcla.

No era como en Hedwig and the angry inch, cuando cantan “Origin of love”, y nos muestran una historia bien cute contada con dibujos bastante minimalistas. Súper bien echo, bonito, sencillo.

Pero estos sujetos querían algo así “Evolucion” de Pearl Jam, o no sé que mierda esperaban, realmente, imaginaban cosas tan difusas, absurdas, que escapaban completamente de la historia central, y estaban tan obsesionados con Pink Floyd, que incluso había una escena donde Chris miraba un muro con un grafiti y empezaba a alucinar. Por favor!

Ah sí!, la peor escena se daba en unos de los quiebres de la película, cuando Christian recordaba la muerte, el funeral, no sé, algo de Blanca, y enloquecía, y venía una escena muy surrealista, donde él estaba en un sillón sentado en las dunas de Concon, junto con las dos Fridas.

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Hasta ahí no tan mala idea, pero después la cosa iba a ser como una invitación a tomar el té, con uno de los deformes de Bacon en el suelo, como retorciéndose, y tendríamos que filmar al sujeto de “El grito” corriendo hacia la cámara, directo a atacar a Chris. Y luego venía una figura femenina echa de arena, que se la llevaba el viento, como a Marge en el viaje misterioso de Homero, y y y y no sé, era muy mala la escena xD, quería decirlo todo, pero no decía nada, tenía de todo, y seguía siendo una mierda.

Esa fue la última escena que se discutió, después de eso hubieron desacuerdos, nadie tenía ganas de nada, la película era muy mala, y bueno, algo que viene deforme no tiene oportunidades de vivir mucho tiempo.

Pero al menos lo intentamos, lo intenté, hice unas cuantas animaciones (con más de 800 frames en algunas), y muchos fotogramas de como me lo imaginaba, y escribí buena parte del guión, creo que por ahí uno de los creadores izo otra animación y unas cuantas ilustraciones, pero nada más. Al menos le puse todo mi empeño, si fuera por ustedes todo sería trabajar e ir a la iglesia e_e

Fue uno de los fracasos más interesantes de mi vida.

Ay, ay, ay.

Hace meses que me vengo quejando de esta franquicia, incluso antes de que viera la luz del proyector; hoy hablaremos de la película…

Fifty Shades of Grey, es una película del año 2015, dirigida por Sam Tayloor-Wood y escrita por Kelly Marcel, basada en la novela homónima de E.L. James; perteneciente al género del drama romántico (y no pondré erótico porque no, mostrar un par de senos y nalgadas no la hace erótica, o eso creo), bueno ya, y del género erótico (tiene por ahí algunas escenas de supuesto sexo explícito).

En primera instancia para el papel de Christian Grey se consideró a Charilie Hunnan, pero por problemas logísticos (muchos rumoreaban por internet que se debió a que al parecer Hunnan era homosexual y eso hacía perder la fantasía, lo cual es muy raro por lo demás), así que se terminó eligiendo a un desabrido Jamie Dornan.

La película fue un gran éxito, siendo un estreno mundial en 2015 para el día de San Valentín, convirtiéndose en una de las películas más taquilleras del año llegando a recaudar cerca de 570.000.000 de dólares en todo el mundo. Aunque claro, no por ello no ha sido blanco de innumerables críticas, desde agrupaciones feministas que miraban con malos ojos la glamorosa violencia de género que presenta la película, hasta llamados multitudinarios al boicot de la película por legitimar el abuso de poder y la desigualdad de género. Una bella y la bestia del mundo moderno.

Em…

La historia comienza con Anastasia “Ana” Steele (Dakota Johnson), una estudiante de literatura que vive con su amiga Katherine “Kate” Kavanagh (Eloise Mumford). Bueno, en resumen Ana es virgen (algo que parece muy relevante en la historia, obvio), es tímida, y todo aquello que parece rodear a las estudiantes de literatura (en todos lados sale que son así, ¿será verdad?), y Kate es una estudiante de periodismo completamente avasalladora con los hombres, segura de sí misma y todo eso que siempre es la amiga de la tímida (cliché).

Kate tiene que hacerle una entrevista al multimillonario, joven y (supuestamente) sensual Christian Grey (Jamie Dornan), pero ella no puede ir y le pide a Anastasia que le haga el favor. Anastasia va, toda nerviosa y torpe (por supuesto) y en una candente entrevista, conoce al multimillonario.

¿Cómo comenzar con esto, queridos cenizos? No sé, es que no sé.

De partida, vamos con las cosas ‘buenas’.

La película tiene una fotografía hermosa, una paleta de colores muy atractiva a los ojos, o sea, las escenas de la entrevista en ese edificio glamoroso y todo, lleno de muchachas muy chicks, tiene un ambiente muy glamoroso en general la película, muy pulcro, eso es innegable, el ambiente de dinero es logrado en un 100%, desde los muebles del futuro hasta las sábanas inmaculadas, el montaje es brillante (para la historia), por ese lado nada que decir, de hecho, cuando miraba los adelantos y trailers, las escenas me sorprendían, grabarla en Vancouver le dio un plus a la película… pero como dijo el hada madrina, los sueños no pueden durar para siempre, y a penas vi la película todo se fue a la mierda.

Ahora vamos con las cosas ‘malas’.

Es imposible que la historia mejorara mucho desde el libro hasta la película, considerando que la idea de E. L. James era que los fans no se sintieran decepcionados con la poca conexión novela-film; la película, como adaptación, esta ‘buena’, porque es en un 90% fiel al libro (para que nadie anduviera haciendo comparaciones), si no es más fiel es porque en dos horas no se puede contar lo que pasa en 400 páginas, y porque supongo que mostrar a Dakota succionando el pene de Jamie en primer plano, la hubiese puesto en categoría porno o similar.

Si la película es ‘mala’, es porque el libro es ‘malísimo’, es un problema de raíz, que no se iba a solucionar con un tremendo elenco y maquillaje y cosas aparatosas. Es muy lamentable. Incluso, muchas fans de la saga a nivel mundial quedaron decepcionadas por como se abordó la historia.

Por otra parte tenemos la tremenda controversia que se armó a nivel mundial por el royo de la violencia de género.

O sea, ya… entiendo que eso de mostrar a la mujer, a la sumisa, en su rol de obedecer, de ser pasada a llevar en sus decisiones y su actuar por un multimillonario todo poderoso, es complejo, porque a la masa (que suele ser un tanto susceptible) le gusta esta novela y comienzan a asimilar los modelos y patrones que se ven en ella. Ya me imagino ahí a la dueña de casa diciéndole a su marido barrigón que la amarre a la cama. Pero bueno, contra eso no hay mucho que hacer, es como eso que pasa con el boom de las teleseries turcas acá en Chile, donde se muestra un supuesto respeto hacia la mujer, cuando en realidad lo que vemos es una cultura que anula por completo la sexualidad pública y privada de la mujer, dejándola como algo totalmente secreto, y eso, también es parte de la violencia, tanto o más que la irrespetuosidad.

En este caso, tenemos la realización sexual de la mujer desde el permiso masculino, ella objeto, el sujeto, ella se vuelve sujeto por medio de otro sujeto y no por medio de ella misma, ya que ella sigue siendo un objeto. ¿Un mensaje aterrador? Deberían repasar todas las novelas donde este ‘tópico’ ya es reiterativo y meloso.

Aun así creo que el mundo exagero un poquito mucho con esto, porque bueno, estamos hablando de las 50 sombras de grey, no es A Serbian Film ni Salón Kitty; o sea en países como Malasia, por ejemplo, se prohibió el estreno de la cinta por contener “actividad sexual no natural” (lo que son las diferencias culturales)

Pero bah, la película ya está hecha y lo único que queda por decir, si es que no la han visto, veánla y juzguen ustedes mismos.

Cuando estaba viendo los Oscar 2015, de pronto en la categoría a Mejor Actriz, nombraron una peli que no conocía y que me dieron muchas ganas de conocer; Perdida.

En su título original, Gone Girl, es un film estadounidense del año 2014, dirigida por David Fincher, y escrita por Gillian Flynn, quien basó el guión en su propia novela homónima publicada el año 2012; una película altamente aplaudida por el público y por la crítica. Tuvo decenas de nominaciones y premios; galardones entre los que destacan:

-Premios de Nevada: Mejor Película, Mejor Actriz (Rosamund Pike).
-Crítica de Florida: Mejor Actriz (Rosamund Pike), Mejor Guión Adaptado.
-Crítica de Austin: Mejor Actriz (Rosamund Pike), Mejor Guión Adaptado.
-Asociación de Críticos de Phoenix: Mejor Actriz (Rosamund Pike), Mejor guión Adaptado, Mejor Interprete Revelación (Rosamund Pike).
-Crítica de San Louis: Mejor actriz (Rosamund Pike), Mejor guión Adaptado.
-Crítica de San Diego: Mejor guión Adaptado.
-Premios de la Crítica cinematográfica: Mejor guión Adaptado.
-Premios de la Sociedad de Críticos Online: Mejor Actriz (Rosamund Pike), Mejor guión Adaptado.

Es el día del quinto aniversario (donde se regala madera), entre Nick Dunne (Ben Affleck) y Amy Elliot Dunne (Rosamund Pike); esa mañana Nick sale a ver a su hermana Margo (Carrie Coon), quien administra un bar, “The Bar”, para hablar de lo horrible que van las cosas con Amy, pensando incluso en un divorcio. Pero entonces, al volver a casa luego de un paseo por la playa, se encuentra con un extraño escenario; el living está revuelto, y su esposa no está por ningún lado.

El escenario se ve como un secuestro normal, pero claro, no del todo, considerando que Amy es una aclamada muchacha en quien sus padres los Elliot (Lisa Banes y David Clennon), basaron una serie de novelas muy famosas de “La Asombrosa Amy”; algo así como la hija perfecta que todos padres quieren, pero que nadie es… ni siquiera la Amy real lo era.

Así que por esta fama, la búsqueda se hizo nacional casi de inmediato, en parte por la presión de los padres de Amy y en parte por la presión de la prensa. Y con tanto medio de comunicación, conferencias de prensa y constantes entrevistas con periodistas y la policía, Nick de a poco se va enfrascando en un enorme problema: ser el sospechoso número 1 de haber matado a su mujer y haber fingido su secuestro.

Las sospechas se acrecientan con el paso de los días, Amy no aparece, ningún indicio de ella, y cada vez hay más “pruebas” de la culpabilidad de Nick; en paralelo se nos muestra lo que va contando Amy en su diario (como conoció a Nick, como todo era miel sobre hojuelas, como todo se fue al carajo).

Una película estupenda; no porque sea una obra de arte del escenario cinematográfico actual, más bien es de esas películas que son comerciales, pero no tanto, que tienen la justa medida de todo, y lo mejor, es que tiene mucha gente loca jajaja.
Es un relato apasionante que contiene dos giros, uno más potente que otro, por supuesto, pero dos giros, no uno, DOS. xD

La señorita Pike se tiene más que merecidos todos los galardones a mejor actriz, se pega unas caras de repente, que uno cree que te va a sacar la vida. Affleck destiñe al lado de ella, y no lo digo sólo porque él me disguste como actor jajaja, no, sólo creo que pudieron elegir a alguien más, de todas formas la pareja entre ambos funciona en muchos niveles.

Ahora, (Nota: los siguientes párrafos pueden contener SPOLIER) he visto muchos análisis de esta película en Internet fijándose más que nada en la locura psicópata de Amy Elliot, lo maravillosa que resulta su venganza (no los culpo, yo también creo que es una puta genia xD) y lo terrible que es enredarse con la clásica mina loca, de esas manipuladoras, vengativas, etc.

Sin embargo, si lo pensamos un poquito más, Amy no hace más que dar una sincera radiografía de las relaciones actuales, más que mal, los locos son un portal a la realidad… nos cuenta de manera cruda cómo el mundo se ha vuelto enfermo, enfermizo, con relaciones enfermizas, y ojo, relaciones de todo tipo, Amy tiene una relación como el pico con sus padres, que la idealizan e ignoran la realidad de una hija que los odia con todo su ser; por otra parte tenemos a Nick, un negligente esposo, o sea, por muy loca y rara que sea tu esposa, no puedes andar por ahí haciendo el mal xD, como la gente sigue la vida cuando todo está como la mierda, esas parejas que no separan por los hijos, el eterno qué dirán, la manipulación emocional, un punto muy importante cuando la película ya está en sus momentos culmines, donde ya no sabes que mierda va a pasar después, y ahí está Amy, manipulando al manipulable Nick, y Nick, se deja manipular, al final se entrega a su destino, a que va a estar con Amy y que está jodido… Muy jodido xD.

Es una película entretenida, no es latera ni nada por el estilo. Tiene una fotografía muy bonita, atractiva por lo demás, está un 1000% recomendada.

“Cuando pienso en mi esposa siempre pienso en su cabeza. Como un niño, me imagino abriéndole el cráneo, desenrollando su cerebro y examinándolo cuidadosamente, intentando apresar e inmovilizar sus ocurrencias. «¿En qué estás pensando, Amy?» Supongo que son preguntas que se ciernen como nubes de tormentas sobre todos los matrimonios: «¿Qué estás pensando? ¿Qué es lo que sientes? ¿Quién eres? ¿Qué nos hemos hecho el uno al otro? ¿Qué nos haremos?”

Les traigo una joya del cine, podríamos decir, literalmente una joya, la precursora de la belleza y el lujo contemporáneo.
Después del apestoso encanto malibú rosa de los 50’s, el mundo está en una nueva década loquilla, impulsada por los cambios sociales, las ideas de paz, y por supuesto, la liberación de la mujer, que vino acompañado del desprendimiento de los tabúes sociales. Si bien, no hubo una libertad de hablar de casi cualquier cosa (como ocurre hoy), empezaban las producciones de cine alejada de los héroes western, de los buenos contra a los malos, aquí aparece la figura de los anti héroes, personajes amorales, e incluso inmorales.


Desayuno con Diamantes, o en su título original Breakfast at Tiffany’s, es una película de tintes románticos de 1961, dirigida por Blake Edwards y escrita por George Alxelrod, basado en la novela homónima de Truman Capote.
Recibió nominaciones en diversos festivales y premiaciones; entre sus galardones se encuentran:

-Premios Óscar: Mejor Banda Sonora (Henry Mancini), Mejor canción (Moon River)
-Premios Grammy: Mejor Banda Sonora de cine o televisión.
-Premios DGA: Mejor Director (Blake Edwards).

Nos encontramos en Manhattan, Nueva York. Es un gélido y luminoso amanecer en la Quinta Avenida, y vemos la figura femenina de Holly Golidhtly (interpretada por Audrey Hepburn), quien mira los escaparates de las tiendas, los lujos de la gran Tiffany’s, bebiendo un café en vaso plástico y un cruasán.

Holly es una aspirante a actriz, extravagante, soñadora. Quien además, de manera “secreta”, por decirlo así, es una especie de geisha neoyorkina, una dama de compañía como se muestra en la película. Vive en un pequeño departamento para una persona, junto a su gato llamado Gato (no ponerle nombre a la criatura le da libertad tanto a él como a ella, sin compromisos la señorita Holly).

Ha huido de un matrimonio con un hombre mayor, en busca de la vida de lujos que siempre quiso; es por eso que siempre se mantiene buscando una relación estable con un multimillonario que no pase de los 50 años, y su “trabajo”, le ayuda bastante en su búsqueda.

Mientras tanto a su edificio se muda un fracasado y pobre escritor, que es mantenido por una mujer mayor casada que se sustenta su propio amante, Paul Varjack (George Peppard), un gigoló que vende sus encantos mientras logre disparar su carrera de escritor famoso.

Es así como se conocen y establecen una relación de amor imposible y de odio mutuo; amor imposible por parte de Holly, puesto que Paul, a pesar de que parece gustarle mucho, no encaja en el perfil de hombre multimillonario; odio mutuo, ya que Paul frustrado por el materialismo de Holly, se vuelve algo hostil en ocaciones, pero de todas formas acaban riéndose como dos tortolos :v

Es una película que marco época por el “destape” sexual que presenta, o sea, el público tenía como protagonista a la prostitutas de sus sueños, ahí en la pantalla, con joyas, buen peinado y buen gusto, pero prostituta al fin y al cabo.

Por otra parte, hay que tener en cuenta la “nueva belleza” que establece la imagen de Hepburn, una elegante figura que abandona por completo las curvas y el cabello rubio de Marilyn Monroe, los caballeros ya no las van a preferir rubias; como bien dijo Billy Wilder: “Esta Hepburn va a conseguir que los pechos pasen de moda”. Jajaja muy bueno el comentario.


Ahora bien, las cosas que no me agradaron de la película… y no es que me disgustaron mientras vi la película, sino que fueron cosas de las que me enteré después; partiendo por el hecho de que el destape sexual es mucho más evidente en la novela (personalmente no he leído la novela completa pero los pequeños fragmentos que vi por internet me ilustraron al respecto), pero claro, hay que entender la época en la que se ubica la película… siempre hay que tener en cuenta el contexto.

Por lo mismo, creo que no se hace referencia a la bisexualidad de la protagonista, porque ahí sí que hubiese sido escandalosa xD. Y claro, tenemos el famoso final (SPOLIER), en donde Holly corre tras Paul para culminar en un abrazo bajo la lluvia, moon river¸ y blablabla. En la novela original, Holly se va, y ahí es cuando Paul escribe la historia sobre ella.

Es una película tierna, ideal para ver en estos fríos días de invierno.

desayunoentiffanys

Pongámosle play a Katy Rose… Overdrive:

Abril de 2004, cuando se pensaba que el género de películas adolescentes con eternos estereotipos y mucho rosa, chicas fabulosas, matados y del montón, ya estaban pasadas de moda, muy ochentero y embarrado de los noventa. Y entonces, entremedio de las cenizas de miles de producciones aparecen los destellos de Means Girls, Chicas Creídas o Chicas Pesadas.

Film dirigido por Mark Waters, escrito por Tina Fey, guión basado en la novela “Queens Bees and Wannabes” de Rosalind Wiseman. Protagonizada por la muñeca rota de Disney, Lindsay Lohan, quien ya había probado fórmula con Waters en Freaky Friday (Un Viernes de Locos).

Es normal que los padres vayan a dejar a los hijos el primer día de clases, pero no para Cady, quien es una muchacha de 16 años que recién tendrá su primer día de clases, debido a que sus padres son zoólogos y ha pasado los últimos 12 años de su vida en África, siendo educada en casa. Así que se va llena de entusiasmo y esperanza a la preparatoria.

Evidentemente su primer día es un desastre sin precedentes, dejándola con ganas de volver a su amada África donde la sabana es mucho menos hostil que la escuela; Sin embargo sus días ven el sol cuando conoce a un par de desadaptados llamados Janis Ian (Lizzy Caplan) y Damian (Daniel Franzese) demasiado gay para funcionar; quienes la incluyen en su pequeño grupo y le enseñan a sobrevivir en la jungla de la prepa; y además le hablan sobre quienes debe cuidarse: Las Plasticas.

Las Plásticas son un trío sensual de chicas populares, compuesto por la chica más tonta de toda la escuela, Karen Smith (Amanda Seyfried), por una ejecutiva y chismosa Gretchel Weiners (Lacey Chabert) Por eso su cabello es tan grande, está lleno de secretos… Y el demonio en forma humana: Regina George (Rachel McAdams). El trío más malvado de la prepa…

Ya como Cady es una salada de mierda, cae en las redes de las Plásticas al pasar junto a ellas en la cafetería. Es así como Janis la convence de que se junte con las Plásticas y en secreto con el dúo dinamita, para burlarse de las cosas que digan el trío. Cady, como una buena y sumisa salvaje, acepta.

Paralelamente, en la clase de matemática avanzada, Cady conoce a un chico de tercero de prepa, el siempre sensual y codiciado Aaron Samuels (Jonathan Bennett), quien, para desgracia de Cady, es el ex novio de Regina, y ya saben lo estrictas que son las reglas de la femeneidad con los exnovios.

Pero entonces, en una fiesta que el mismo Aaron da en su casa para Halloween, Regina, más que  enterada del interés de Cady por Aaron, lo besa en frente de ella. Cady se superdeprime, y va donde Janis y Demian a llorar… aquí comienza el jugoso plan que fraguan para hundir a la acorazada Regina George, alejando a Aaron Samuels, eliminando su buen físico y destruyendo su ejército de taradas (Gretchel y Karen).

Sí, lo sé, es la historia más estúpida de la vida xD. Pero no hay que precipitarse, si analizamos bien la cosa, tiene mucho de que agarrarse. De partida, porque es una comedia muy bien pensada, el tipo de humor que tiene es muy especial (ya no hacen películas así TT-TT), tiene una traducción latina impecable (de esas que ya no hacen -.-), o sea en esa escena (SPOLIER) donde están pidiendo disculpas públicas y aparece la rubia esa con su “quisiera hacer un pastel de abrazos besos y amor” Conchetumare, esa huea es para morirse, recagarse de la risa.

Tiene un millón de elementos interesantes, ¿Quién no quiso tener un libro del mal alguna vez?, yo por lo menos sí jajaja. Y lo más llamativo, es que tiene decenas de personajes, y todos, hasta el más insípido logra ser bien desarrollado, no sé como lo hicieron xD, pero es cuático como logran desarrollar a todos los principales, y meter entre medio un montón de gente X, que al final uno los recuerda igual (Emma Gerber y Jessica Lopez, tsss no son nada, y uno igual sabe toda su vida xD), es un humor para todos los gustos, o por lo menos para una amplia gama.

“Los Miércoles usamos Rosa”