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En general Kubrik con su neurótica simetría tiende a ser un poquito odiado, considerando que la mayor parte de sus obras (si no es que todas) son basadas en libros, en buenos libros, y cuesta mucho darle en el clavo cuando basas una película en un libro, porque nos guste o no, todos sabemos que la cosa es una adaptación y no el calco monótono de la obra. Aún así, Lolita es muy mala, nada que perdonar ahí. Y hasta Stephen King estaba medio molesto con el Resplandor.

Ésta es una de las películas que le devuelven la dignidad.

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Traducida como “¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú”, es un grandísimo film británico en blanco y negro de 1973. Dirigida por Stanley Kubrik, quien se encontraba inspirado por la amenaza latente de la guerra nuclear, posterior a la crisis de los misiles en Cuba.

El estreno oficial sería en día 22 de noviembre de 1963, pero debió retrasarse  ya que al presidente John F. Kennedy se le ocurrió recibir una misteriosa bala. Sin embargo logró ser estrenada en enero del año siguiente. Basada en el trhiller “Two Hours to Doom”, escrito por Peter George, quien fue oficial en la Royal Air Force. Para publicarlo utilizó el pseudónimo “Peter Bryant”.

Kubrik, contacta al mismísimo Peter George para escribir el guión en conjunto. Terry Southern  también estuvo de dentro de la elaboración.

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Para su tranquilidad: los organismos de seguridad de las fuerzas aéreas estadounidenses evitaran con toda certeza situaciones y acontecimientos como los que aparecen en esta película. Se ha establecido explícitamente que ninguno de sus personajes representan personas vivas o muertas.

Créditos iniciales que dan la antesala a unos bombarderos en lo alto del cielo, en un sensual sobrevuelo previo al apocalipsis.

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Entones aparece el general Jack D. Ripper (interpretado por Sterling Hayden ) en la base aérea de Burpleson, quien producto de una crisis paranoica contra la Unión Soviética (en plena Guerra Fría), envía de improvisto a un completo escuadrón para bombardearla. Una vez dada la orden, corta comunicaciones con los bombarderos por medio de un código secreto, y cella herméticamente la base.

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El pánico se desatada en el pentágono; el presidente Muffley (Peter Sellers) congrega a una reunión urgente en la sala de guerra con el comité para estás emergencias. Además se incluye la presencia el embajador Alexi de Sadesky, en representación de la Unión Soviética, a pesar de las protestas del rudo, jocoso y pro-guerra general Buck Turgidson (George C. Scott).

Comienza el allanamiento a la base donde se ha atrincherado el general Ripper; desde dentro Mandrake (Peter Sellers) intenta razonar con el general, en medio de su incredulidad ante la locura nacionalista que se apoderó de Jack D. Ripper. Mientras que todos se preguntan cómo descifrar el código secreto que abre la comunicación con los bombarderos, la única esperanza de no desatar la Tercera Guerra Mundial.

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En el pentágono Alexi de Sadesky comenta que es el fin, no tiene sentido, pues ellos han construido la máquina del Juicio Final, poderosa herramienta de guerra que no puede desarmarse, y una vez que se activen las alarmas, tendrá un poder de destrucción nuclear que dejaría la Tierra inhabitable por los próximos cien años, por lo bajo.

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Resulta ser una hilarante odisea sobre el fin del mundo y del absurdo escenario que se creó durante la Guerra Fría, ni la carrera espacial fue tan atolondrada como la carrera nuclear; los dos polos del planeta que se mantenían antagónicos podían desencadenar ataques nucleares que acabarían con toda la vida en el planeta.

Lo mejor: el doctor Strangelove; el gran personaje que Peter Seller sacó adelante, en gran parte, gracias a sus improvisaciones. Como resultado, un comiquísimo científico nazi que ahora sirve a los Estados Unidos, y más allá de dar soluciones, nos informa de qué tan jodidos están en la película.

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Kubrik se aparta de la idea dramática de la guerra como un horror, para entregar una obra maestra de comedia aguda que apunta en todas direcciones, las incompetencias del poder, quienes han de ocasionar el fin de los tiempos, lo absurdo de cualquier diferencia cuando estás a punto de morir junto con toda la Tierra.

Una de las curiosidades de la cinta, es que Kubrik llegó a rodar un final alternativo, en donde los caballeros de la sala de guerra mantenían una guerra de pasteles… Ya lo había dicho yo, Kubrik es una maravilla con lo visual, pero de que tiene ideas nefastas, las tiene.  Por fortuna para historia del cine, se eligió un final mucho más adecuado.

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Nos quedamos con el alarido del presidente en medio de la crisis.

“Señores, no pueden pelearse aquí ¡Esta es la sala de guerra!”

Olvídalo Marge, esto es el barrio Chino:

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Chinatown (a propósito del monologo del señor Simpson cuando le responde a Marge con frases de películas), es un film del año 1974, estadouniciano (nada que hacer con el cinepolio de gringolandia), dirigido por el siempre genial Roman Polanski, escrito por Robert Towne, y claro, agregamos la participación del señor John A. Alonzo por su magnífico trabajo como director de fotografía.

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Con once maravillosas candidaturas al Oscar (aunque claro, al final sólo el señor Towne se llevó un trofeo), este film marcó la década de los 70, una época difícil para el cine (más en Europa que en América) y a pesar de eso, Chinatown logró ganarse al público y a la crítica, con la actuación estelar de Jack Nicholson (película que por cierto, acaba por catapultarlo a los papeles principales), además de ser un curioso homenaje al cine de la época dorada que nunca volverá, adapta una historia policial con el estilo del cine “de antes”, sin convertirse en un obvio y meloso pastiche del cine antiguo, en definitiva, es como una película antigua de la época moderna (considerando que ya han pasada como 40 años xD), Polanski y Alonzo lograron transportar las imágenes del cine en blanco y negro al cine de color, magistral.

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La historia comienza en los Ángeles, en 1937 se encuentra al detective privado J.J. Gittes (Jack Nicholson), un ex policía cuya carrera fracasó en el barrio Chino y ahora se dedica a fisgonear por dinero. Pero entonces es llamado para espiar a un supuesto marido infiel, lo cual, no parecía más que otro trabajo cualquiera, hasta que las cosas se complican cuando el marido espiado, un alto funcionario del servicio municipal de aguas de la ciudad, es asesinado.

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La bella viuda, la señora Faye Dunaway (Evelyn Cross Mulwray) le encarga a Gittes a investigar el asesinato, con inesperadas consecuencias, ya que Gittes a medida que va metiendo la nariz (además de que se la cortan jajaja), comienza a descubrir una red delictiva dentro y fuera de la compañía, que lo llevaran a desagradables encuentros con la mafia y diversos personalidades distinguidas e influyentes de la ciudad.

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Es una película muy entretenida (aunque bueno, parece que para mí todas las películas son entretenidas), que nos muestra un lindo cambió de la muchas veces empalagosa rutina de Hollywood, además siempre es interesante ver los origenes de un algo o de un alguien, como la actuación a de Nicholson o la dirección de Polanski, su primera dirección en una película que no escribió él mismo.

Parece ser una película nostálgica, de esos tiempos que no vuelven, el pobre Gittes que constantemente parece recordarnos su fracaso, pero en realidad siempre apunta al futuro, a la resignación, de estar en un mundo de mierda, olvídalo, es el barrio Chino.

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Para una tarde de gansters y palomitas.

“Sólo soy un fisgón”

Me gusta:

Freaks, La parada de los monstruos (España) o Fenómenos (Latinoamérica), es una película estadounidense del año 1932, dirigida y producida por Tod Browning (mismo creador de Drácula de 1931), escrita por Willis Golbeck, Leon Gordon y Al Boasberg. Al director le surgió la idea de adaptar el cuento de Tod Robbins titulado Spurs (“Espuelas”), por medio de su amigo Harry Earles (su nombre real es Kurt Scheider), un alemán que padecía enanismo hipofisario, mundialmente conocido por su espectaculo familiar “The Doll Family”, quien además, protagoniza la película.

El film fue altamente controversial en su época, el público quedó completamente horrorizado con los curiosos personajes que aparecían frente a sus ojos, tanto así, que además de ser calificada como una película de terror, quedó vetada en muchas naciones, incluso, en lugares como el Reino Unido, no fue sino hasta los años 60’s en que se le quitó la clasificación X.

La controversia se desató al ver que en la película se utilizaron actores con deformidades reales, incluso algunos de ellos con padecimientos mentales; hay escenas en donde se les graba observando solamente su diario vivir. La película tuvo que terminarse casi en secreto, debido a las constantes presiones de quienes consideraban la película como una horrible continuidad de la explotación y exhibición de personas con discapacidades.

El filme, entre otras cosas, instauró la palabra “Freak”, dentro del diccionario de la lengua inglesa, como una forma de nombrar algo anormal, extraño o marginal.

Hoy en día se considera una película de culto, con millones de seguidores alrededor del mundo, y diversos homenajes en películas y series (American Horror Story, Los Simpson, The Dreamers, Orange is the New Black, etc). En 1960 se realizó un remake llamado “She Freak”, dirigido por Byron Mabe, sin mucho éxito, la historia se centraba más en la perversidad de una artista circense para con los freaks.

En una época donde los espectáculos de personas con deformidades eran uno de los negocios ambulantes más rentables, nos encontramos con un peculiar circo que en su interior albergaba, además de trapecistas, payasos y otros clásicos artistas, tenían dentro del espectáculo a un grupo de personas con padecimientos muy peculiares que llamaban la atención de su público.

Dentro de la tropa, los más reconocidos era: El Esqueleto Humano (Peter Robinson), un hombre con el cuerpo demacrado al punto de tener todos los huesos marcados; su esposa en la película, La Mujer Barbuda (Jane Barnell, conocida como Olga Roderick o Madame Olga); Koo Koo o La Mujer Pájaro (conocida como Minnie Wolsey o Minnie Ha Ha), una mujer que presumiblemente padecía el síndrome de Virchow, un fenómeno biológico que encuadra varios males (microcefalia, ligero retraso mental, deformidades faciales, enanismo, ect.); El Hermafrodita Josephine-Joseph, cuyo lado derecho del cuerpo contenía caracteres masculinos y el lado izquierdo femenino; las hermanas Pinhead (Elvira Snow y Jenny Lee Snow), ambas muchachas padecían microcefalia; El Torso Viviente (Principe Radian), un hombre sin brazos ni piernas; El Medio Muchacho, John Eck, quien nació sin la parte inferior del abdomen y sin piernas; Little Angelo (Angelo Alvatore Rossitto), un enano desproporcional; La Venus de Milo Viviente, Frances O’Connor, una chica que no tenía brazos; y Las Hermanas Siamesas (Daisy y Violet Hilton), unidas por las nalgas.

A la cabeza de este curioso conglomerado está Hans (Harry Earles), víctima del enanismo hipofisario (que le daba un pequeño cuerpo proporcional), carismático artista que está de pareja con Frieda (Daisy Earles, hermana de Harry; se pega tremenda actuación o:), una dedicada novia que padece la misma enfermedad de Hans.

Pero Hans está enamorado de la bella artista del circo conocida como Cleopatra (Olga Baclanova). Ella mantiene un amorío con el muchacho fuerte del circo, Hércules (Henry Victor).

Un día Hans hereda una importante fortuna, y por ciertos eventos, Cleopatra y Hércules se enteran del tesoro del pequeño hombrecito. Por lo que elaboran un plan, para aprovecharse de los sentimientos que Hans mantiene por Cleopatra, y así poder robarle la fortuna. Pronto ella aprenderá que no debe meterse con los freaks.

Mi primera apreciación al ver la película fue: ¿qué carajo tenía la gente en la cabeza en esa época que la calificaron como película de Terror? Hay que reconocer que esta película pudo ser puro morbo, porque en sí la historia no tiene mucha gracia, creo que debieron ponerle más énfasis a la venganza final, fue muy corto ese lapsus, aunque no menos impactante.

Y bueno, en cuanto a la controversia por los artistas deformes (casi todos ellos trabajan en la vida real en espectáculos de fenómenos), no me parece una explotación diferente a la exhibición por curiosidad, tampoco es como que los maltraten o les hagan algo raro ni nada. Simplemente es la exhibición desvergonzada (lo cual no deja de ser una forma de abuso, en el caso, por ejemplo, de los actores con padecimientos mentales)

Es una película muy buena, con escenas muy interesantes (la parte en que El Torso Viviente prende el cigarro con las boca, me hizo sentir como una completa innutil cuando prendo uno yo); y más que nada se gana muchos puntos por esa mezcla entre la hiper realidad y lo ficticio (a diferencia de otras películas sobre deformidades, como El Hombre Elefante de 1980, donde se utilizaron avanzadas técnicas de maquillaje).

Lo mejor: cuando cantan para incluir a Cleopatra a la tropa; ¿a quién no le gustaría incluir a alguien cantando lo siguiente?:

Soy de las pocas personas a las que les gustan los musicales, es un género complicado, muchas veces despreciado, y con el paso del tiempo se ha ido perdiendo porque la gente ya no los pide (la sobre explotación que hizo Disney ayudó mucho a que la gente se le llenaran las pelotas con los musicales ¬¬). Pero los musicales son una tradición del cine, heredada del teatro, con unos cuantos hitos demasiado geniales, como la siguiente obra:

The Rocky Horror Picture Show, es una película británica de 1975, dirigida por Jim Shaman, co escrita por Richard O’Brien y por Jim, basada en una ópera de rock inglesa escrita por el mismo señor O’Brien.

La película hoy en día es considerada de culto, un clásico indiscutido, lleno de homenajes y de escenas y canciones emblemáticas. En general es un musical que satiriza a las historias de ciencia ficción tales como los clásicos de la RKO (emblemática compañía cinematográfica de los años dorados de Hollywood, a cargo de clásicos como “King Kong”, “La Mujer Pantera” y “El Ciudadano Kane”, entre otros).

Uno de los elementos más llamativos de la película, figura en torno a sus exhibiciones en algunos países, donde se hacía participar activamente a la audiencia (un recurso que ya no es muy utilizado, estamos en la era del 3D :v) por medio de actores representando algunas escenas musicales o por medio de los “proops” (“elementos de ultileria”), que eran entregados antes de la función, como arroz (que se debía arrojar en la boda), linternas (se encendían cuando se canta “There´s a light”), papel higiénico (que se lanzaba por el aire cuando Brad exclama “Great Scott!”), etc.

La historia es narrada por un experto criminólogo (Chales Gray), quien nos traslada hasta una hermosa boda, que además resulta ser el día de en que Brad Majors (Barry Bostwick) le propone matrimonio a Janet Weiss (Susan Sarandon). De regreso, pareja se encuentra con una peligrosa tormenta, y para peor, se les avería una rueda del automóvil.

Salen en busca de ayuda, y la construcción más cercana es un antiguo castillo. Sin más remedio deciden ir sin mucho ánimo. En la puerta los recibe un raro mayordomo llamado Riff Raff (Richard O’Brien)

El castillo es aún más extraño por dentro de lo que se veía por fuera. Janet y Brad conocen groupie llamada Columbia (Mell Campbell), a la hermana de Riff Raff, Magenta (Patricia Quinn), y a un grupo de transilvanos muy peculiares, quienes bailaban, como parte de una tradición del planeta Transexual en la galaxia de Transilvania, el Time Warp.

El show se va poniendo cada vez más interesante, hasta que aparece el Dr. Frank N Furter (Tim Curry), que con el Sweet Transvestite, se presenta ante Janet y Brad, quienes cada vez están más y más confundidos con lo que está ocurriendo.

Y para hacer aún más extravagante la experiencia de los inesperados invitados, el doctor los lleva a conocer a su gran orgullo, una creación rubia conocida como Rocky Horror (Peter Hinwood), muchacho musculoso quien acaba de nacer. Pero en medio del cumpleaños 0 de Rocky, aparece  el ex amante de Columbia, Eddie (Meat Loaf), quien acaba muerto en manos del doctor Frank.

De ahí en adelante la voluntad de Brad y Janet se va viendo corrompida por la pomposidad del doctor Frank, cada vez entran más en el mundo de los transilvanos, hasta confundirse con la extravagancia, las sensaciones y las experiencias de los transexuales de Transilvania.

Fue muy difícil narrar lo que pasa en la película xDDD, porque es muy rara, o sea, si alguien te pregunta de que se trata, uno queda como ._.

Pero a pesar de que es bastante loca la historia, se disfruta mucho, ni hablar de las canciones; nunca he visto una representación teatral de esta cosa, no sé como será, pero por lo menos en la película te llena todo el rock de Transilvania.

Es una película muy tierna, entretenida, atrevida, el alien travesti parodia del doctor Frankestein, es inolvidable, tiene un nivel de demencia, rara vez llamativo en el cine, porque demencia hay mucha, pero hay pocos que logran que uno se integre a esa demencia, dan ganas de ponerse perlas y un corsé y partir al planeta Transexual en la galaxia de Transilvania xD.

Clásico de clásicos.

Hitchcock estuvo de cumpleaños y lo le hicimos ningún homenaje ._. pero aquí vamos con una de sus más geniales películas:

The Birds, Los Pajáros, es una película estadounidense del año 1963, dirigida por Alfred Hitchcock, escrita por Evan Huneter, basada en la novela corta homónima de Daphne Du Maurier, novela que a su vez está basada en un hecho real que ocurrió en Agosto de 1951 en Santa Cruz Sentinel, California.

Una película que a pesar de estar dentro del cine de terror, fue risible en su estreno y hasta el día de hoy se considera un bello chiste del séptimo arte. No fue muy aclamada por la crítica de la época, pero obtuvo algunos premios y nominaciones en diversos certámenes (Globos de Oro, Premios Óscar, Premios Edgar, etc.)

Entre las escenas más famosas del film se encuentran: el recontra conocido cameo de Hitchcock, casi al inicio del filme, saliendo de una tienda de mascotas con dos perros blancos, y la escena de los pájaros quietos a la espera cuando los protagonistas intentan entrar en el auto con mucha cautela. Estas escenas fueron parodiadas en Los Simpsons, en un capítulo titulado “Un tranvía llamado Marge”, en un especial de noche de brujas con delfines y cuando los pájaros atacan el refugio para aves en “La tierra de Tom y Daily”.

Otra escena conocida es donde los pájaros persiguen y atacan a Melanie. Una compleja escena con efectos especiales  difíciles de lograr para la época; algunos de los pájaros estaban amarrados a la ropa de la actriz, y para el movimientos de las aves, se le pidió ayuda a Disney Studios, que contaban con el proceso de vapor de sodio, la tecnología de efectos especiales más avanzada para la época. Aún así, a Hitchcock parece no haberle convencido del todo las escenas más complejas.

Melanie Daniels (Tippi Hedren), es la consentida hija de un magnate de San Francisco; un día va en busca de un pájaro a una tienda de mascotas, que le encargó una tía, y mientras la que atiende el negocio, la señora MacGruder (Ruth McDevitt) se ausenta un momento, Melanie se encuentra con Mitch Brenner (Rod Taylor), un prestigioso abogado buscando un pájaro de regalo para el cumpleaños de su hermana Cathy (Veronica Cartwright). Él se enamora perdidamente de Melanie al instante, y ella le sigue el juego sin mucho ánimo.

El abogado se despide de ella, y Melanie en un atacazo de curiosidad toma el número de matrícula del vehículo de Mitch, para posteriormente averiguar su nombre completo y su dirección. Luego de averiguarlo, le deja de regalo un par de loritos de los que conversaron en la tienda. Pero por medio de un vecino, se entera que Mitch no estará ahí el fin de semana, sino que en Bodega Bay, probablemente por el cumpleaños de su hermana.

Melanie está decidida a ver a Mitch, así que emprende el viaje hasta Bodega Bay, pero no logra encontrar a ni Mitch ni a Cathy.

De ahí en adelante, Melanie se relacionará con la gente del lugar, la maestra Annie Hayworth (Suzanne Pleshette), asiste al cumpleaños de Cathy, conoce a la señora Lydia Brenner (Jessica Tandy). Pero todo este alboroto social se ve completamente opacada por un curioso fenómeno sin explicación aparente: las aves están atacando a la gente.

Comenzaron con choques a ventanas, extrañas aglomeraciones, nadie presta mucha atención, hasta que las gaviotas comienzan a picar pieles, los pájaros en cautiverio rompen sus jaulas, y las aves empiezan a atacar en feroces parvadas llenas de locura y plumas.

Es una película extraña… la que menos me gusta de Hitchcock, porque a ratos resulta un poco lenta, la historia de Melanie y Mitch es pajera, los ataques de los pájaros levantan mucho la cinta, pero claro, Hitchcock y su obsesión con las rubias, tenían que poner a una damisela blonde en medio, con una historia que, a mí, no me convence del todo.

Igual es entretenida, incluso para tratarse de una película de los años 60’s, hay que comprender que siempre las películas de otra época tienen un alto riesgo de no gustarnos.

Es interesante todo lo que provocó esta cinta, los homenajes y todo eso, de hecho, en para el 45 aniversario de la película en 2008, la empresa Mattel no resistió hacer una réplica de la rubia Tippi, en una rubia barbie, con el famoso vestido verde del personaje; para añardirle gracia a la muñeca, tiene hasta los pájaros pegados en el cuerpo xD.

Además que desencadenó otras cintas como “Los Tomates Asesinos”, quienes comienzan la película mencionando a los que se rieron de Los Pájaros, pero que nos les pareció gracioso en la vida real en California.

Un recomendable clásico de todos los tiempos.

Mi hermana, durante mi niñez, se encargó de traumarme, mostrándome casi a propósito las más aterradoras películas de suspenso, horror y terror de la época. Fue entonces, con tiernos 8 años conocí a esta maravilla:

The Othes, Los Otros, es una película Española de habla inglesa del año 2001, escrita y dirigida por Alejandro Amenábar. Considerada hoy como película de culto, marca un interesante precedente en la historia del suspenso y las películas de miedo.

Una obra maestra aplaudida por la crítica y muy valorada por el público; en los Globos de oro se nominó a Nicole Kidman a Mejor Actriz, además de 2 nominaciones en los BAFTA, incluyendo Mejor Actriz (Kidman). En los premios Goya obtienen 15 nominaciones, ganando 8 galardones, entre los que se incluyen Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guión Original.

Estamos en el año 1945, a finales de la segunda guerra mundial, y la eterna espera por parte de Grace Stweart (Nicole Kidman), una mujer muy religiosa, quien ve con angustia la partida de esposo a la guerra, y más angustia le produce ver que no vuelve. Vive en la Isla de Jersey, en un caserón antiguo de la época victoriana, junto a sus dos hijos, Anne (Alakina Mann), curiosa e impetuosa niña, y Nicholas (James Bentley), miedoso y atormentado muchacho. Ambos tienen la extraña enfermedad de la fotosencibilidad, por lo que no pueden recibir luz directa del sol.

Luego de que Grace puso un anuncio en busca de personal de limpieza y mantenimiento, llegan tres misteriosos sirvientes: el ama de llaves Bertha Mills (Fionnula Flanagan), una joven mucama muda Lydia (Elaine Cassidy) y el jardinero Edmund Tuttle (Eric Sykes). Se amoldan rápidamente a las estrictas reglas de la señora Grace, cuyas órdenes más rectas e inquebrantables son: que la casa siempre debe estar en penumbra, con las cortinas cerradas, y que no se puede abrir una puerta sin haber cerrado la anterior con llave, por lo que todos andan con el manojo de quince llaves de la casa colgando de la cintura.

Los días transcurren entre la espera de Grace, los quehaceres de los empleados y las clases religiosas que Grace le imparte a los niños. Entre tanta penumbra y silencio, Grace comienza a desarrollar una paranoica persecución de que algo podría hacerle daño a sus hijos y alterar el estricto orden de la casa; y para peor, la fantasiosa Anne comienza a decir que hay fantasmas en la casa, los siente, los oye, Grace no hace mucho caso, hasta que ella misma comienza a notar una presencia misteriosa y ajena dentro del antiguo caserón.

Es una película muy cautivadora, el ambiente, la música, la ropa, el montaje y las imágenes, son idóneas para la historia, además de que Nicole Kidman le pone todo power xD, pero era obvio, esa culia puede estar cantando como prostituta estrella y le sale bakan jajaja.

El giro de la trama también es interesante, y me parece que no es tan inédito como se piensa, pero da lo mismo xD, total, lamentablemente el crédito no se lo lleva quien lo hizo primero, sino quien fue más memorable, es algo que pasa mucho en el cine; si no eres memorable, por muy pro que sea tu historia, estás jodido, te la van a robar o a alguien se le ocurrirá algo similar y cagaste xD.

Si esperas asustarte de por vida, no la veas, porque la gran gracia de esta película es el ambiente, en todo sentido, sombrío, la incertidumbre, la paranoia, la persecución, los ruidos, es una película que pasa más en la mente que en la pantalla. Muy bien hecha, ¿lo mejor? La escena de la niña con el velo y la marioneta, esa escena pasó a la historia.

Recomendable :3

“Lo único que se mueve aquí es la luz, pero lo cambia todo.”

Una de las cosas malas de que el internet (y el mundo cinéfilo en general) recomiende películas, es que uno se encuentra con esos “clásicos” o “películas de culto”, de esas películas que se supone que tienes que ver sí o sí, y uno confiado, va y la busca y toda la cosa; más aún si se va con la promesa de una comedia… pero bueno, la decepción es cuestión de gustos al final.

Little Miss Sunshine, la Pequeña Señorita Sunshine, película estadounidense del año 2006, dirigida por Jonathan Dayton y Valerie Farias (película debut de los directores), y opera prima del guionista Michael Arndt. Fue estrenada el 20 de enero en el Festival de Cine de Sundance, recibiendo excelentes críticas, además de una gran aceptación por parte del público, convirtiéndose casi de inmediato en una película memorable, con su distinguible ícono de la camioneta Volkzwagen Combi amarilla.

Entre los galardones más importantes que recibió se encuentran:
-Premios Óscar: Mejor Guión Original, Mejor Actor de Reparto (Alan Arkin).
-Premios BAFTA: Mejor Guión Original, Mejor Actor Secundario (Alan Arkin).
-Sindicato de Actores: Mejor Reparto.
-Premios Independent Spirit: Mejor Película, Mejor Actor de Reparto (Alan Arkin), Mejor Director, Mejor guión de Ópera Prima.

La historia gira en torno a los integrantes de la familia Hoover nativos de Albuquerque; tenemos a la estresada madre y motor de la familia, Sheryl Hoover (Toni Collette); vive en una modesta casa junto a sus dos hijos, su esposo y su suegro, y recientemente cuenta con la visita de su hermano.

Los hijos son: Dwayne (Paul Dano), un adolescente con crisis de la edad, amante de Nietzsche, quien mantiene un voto de silencio como parte de su entrenamiento para entrar a la escuela de pilotos; y la pequeña Olive (Abigail Breslin –impecable ella-), una chiquilla tiernucha, de gafas grandes y vientre pronunciado, a quien le gusta participar de los concursos de belleza para niñas.

El mayor incentivo para Olive proviene de su abuelo, el suegro de Sheryl, Edwin (Alan Arkin), un veterano de la Segunda Guerra mundial, mujeriego, drogadicto y muy mal hablado, quien vive con la familia porque fue expulsado de su asilo por vender heroína; adora a su nieta y la alienta para que concurse en cuanta cosa salga.

El esposo de Sheryl, Richard (Greg Kinnear), en tanto, se preocupa de levantar su pueril y poco fructífera carrera de motivador profesional, intentando patentar su programa de pasos para la auto-superación y el éxito, luchando con el constante ambiente de fracaso que lo rodea.

Y sumada a toda esa algarabía de situaciones, llega a la casa el hermano de Sheryl, Frank (Steve Carell), estudioso y depresivo homosexual, que tras una decepción amorosa intentó suicidarse.

Un día, la pequeña Olive recibe una carta del “Little Miss Sunshine” para informarle que ha clasificado para participar. Sin embargo, sus padres se ven en el aprieto de que no pueden dejar solos ni a Dwayne y mucho menos a Frank, y Edwin (quien ha estado “entrenando” a Olive), no quiere quedarse con ellos. Es así como la familia decide emprender un viaje de 1200 kilometros hasta California para apoyar a Olive en el concurso de belleza.

Es así como se nos muestra el revoltoso viaje que emprenden, las discusiones infaltables entre una familia que ha vivido vidas por separado durante mucho tiempo, la construcción de lasos que creían haber perdido irremediablemente, el apoyo que se le entrega a Oilve como familia, y claro, la vieja camioneta que cada vez falla más y más, creando la famosa escena de la familia corriendo para subir por turnos (una de las escenas filmadas más peligrosas del cine).

Mmm… xD

A mí personalmente no me gustó mucho, cuando terminó la película quedé así: 8D…
Estaba esperando algo más, pero no, quedó en eso. Y es extraño, porque en la película pasan muchas cosas, hay mucha información desde las diversas vidas de la familia, pero aún así como que… no… xD. Ok, sí, mis dardos apuntas hacia la escena climax de la película (alerta de SPOLIER), cuando la familia intenta de que no bajen a Olive del escenario, en medio de su baile de striper que le enseño el difunto abuelo (sí, el abuelo muere xD), y luego se suben todos a bailar, según entiendo por miles de comentarios en la red, como una forma de demostrar que la familia ahora estaba más unida que nunca. Antes de eso, la película estaba bien, pero esa escena… es una escena, para mí, muy incómoda y sin sentido, para mí hubiese estado mejor que tras bambalinas hubiesen dejado la cagada como familia xD, pero eso de que se subieran a bailar me pareció muy no.

Sin embargo es una película interesante, tiene un tema entretenido, con personajes muy bien logrados (el abuelo es para morir de la risa), pero me dejó con un gusto a poco, la formula de la comedia sencilla siempre es arriesgada.

De todas formas es recomendable, porque a todo el mundo le gusta y la van a comentar sí o sí xD.

“El verdadero perdedor no es aquél que no gana. El verdadero perdedor es aquél que tiene tanto miedo a no ganar que ni siquiera lo intenta.”