Posts etiquetados ‘Clásicos del cine’

Soy de las pocas personas a las que les gustan los musicales, es un género complicado, muchas veces despreciado, y con el paso del tiempo se ha ido perdiendo porque la gente ya no los pide (la sobre explotación que hizo Disney ayudó mucho a que la gente se le llenaran las pelotas con los musicales ¬¬). Pero los musicales son una tradición del cine, heredada del teatro, con unos cuantos hitos demasiado geniales, como la siguiente obra:

The Rocky Horror Picture Show, es una película británica de 1975, dirigida por Jim Shaman, co escrita por Richard O’Brien y por Jim, basada en una ópera de rock inglesa escrita por el mismo señor O’Brien.

La película hoy en día es considerada de culto, un clásico indiscutido, lleno de homenajes y de escenas y canciones emblemáticas. En general es un musical que satiriza a las historias de ciencia ficción tales como los clásicos de la RKO (emblemática compañía cinematográfica de los años dorados de Hollywood, a cargo de clásicos como “King Kong”, “La Mujer Pantera” y “El Ciudadano Kane”, entre otros).

Uno de los elementos más llamativos de la película, figura en torno a sus exhibiciones en algunos países, donde se hacía participar activamente a la audiencia (un recurso que ya no es muy utilizado, estamos en la era del 3D :v) por medio de actores representando algunas escenas musicales o por medio de los “proops” (“elementos de ultileria”), que eran entregados antes de la función, como arroz (que se debía arrojar en la boda), linternas (se encendían cuando se canta “There´s a light”), papel higiénico (que se lanzaba por el aire cuando Brad exclama “Great Scott!”), etc.

La historia es narrada por un experto criminólogo (Chales Gray), quien nos traslada hasta una hermosa boda, que además resulta ser el día de en que Brad Majors (Barry Bostwick) le propone matrimonio a Janet Weiss (Susan Sarandon). De regreso, pareja se encuentra con una peligrosa tormenta, y para peor, se les avería una rueda del automóvil.

Salen en busca de ayuda, y la construcción más cercana es un antiguo castillo. Sin más remedio deciden ir sin mucho ánimo. En la puerta los recibe un raro mayordomo llamado Riff Raff (Richard O’Brien)

El castillo es aún más extraño por dentro de lo que se veía por fuera. Janet y Brad conocen groupie llamada Columbia (Mell Campbell), a la hermana de Riff Raff, Magenta (Patricia Quinn), y a un grupo de transilvanos muy peculiares, quienes bailaban, como parte de una tradición del planeta Transexual en la galaxia de Transilvania, el Time Warp.

El show se va poniendo cada vez más interesante, hasta que aparece el Dr. Frank N Furter (Tim Curry), que con el Sweet Transvestite, se presenta ante Janet y Brad, quienes cada vez están más y más confundidos con lo que está ocurriendo.

Y para hacer aún más extravagante la experiencia de los inesperados invitados, el doctor los lleva a conocer a su gran orgullo, una creación rubia conocida como Rocky Horror (Peter Hinwood), muchacho musculoso quien acaba de nacer. Pero en medio del cumpleaños 0 de Rocky, aparece  el ex amante de Columbia, Eddie (Meat Loaf), quien acaba muerto en manos del doctor Frank.

De ahí en adelante la voluntad de Brad y Janet se va viendo corrompida por la pomposidad del doctor Frank, cada vez entran más en el mundo de los transilvanos, hasta confundirse con la extravagancia, las sensaciones y las experiencias de los transexuales de Transilvania.

Fue muy difícil narrar lo que pasa en la película xDDD, porque es muy rara, o sea, si alguien te pregunta de que se trata, uno queda como ._.

Pero a pesar de que es bastante loca la historia, se disfruta mucho, ni hablar de las canciones; nunca he visto una representación teatral de esta cosa, no sé como será, pero por lo menos en la película te llena todo el rock de Transilvania.

Es una película muy tierna, entretenida, atrevida, el alien travesti parodia del doctor Frankestein, es inolvidable, tiene un nivel de demencia, rara vez llamativo en el cine, porque demencia hay mucha, pero hay pocos que logran que uno se integre a esa demencia, dan ganas de ponerse perlas y un corsé y partir al planeta Transexual en la galaxia de Transilvania xD.

Clásico de clásicos.

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Les traigo una joya del cine, podríamos decir, literalmente una joya, la precursora de la belleza y el lujo contemporáneo.
Después del apestoso encanto malibú rosa de los 50’s, el mundo está en una nueva década loquilla, impulsada por los cambios sociales, las ideas de paz, y por supuesto, la liberación de la mujer, que vino acompañado del desprendimiento de los tabúes sociales. Si bien, no hubo una libertad de hablar de casi cualquier cosa (como ocurre hoy), empezaban las producciones de cine alejada de los héroes western, de los buenos contra a los malos, aquí aparece la figura de los anti héroes, personajes amorales, e incluso inmorales.


Desayuno con Diamantes, o en su título original Breakfast at Tiffany’s, es una película de tintes románticos de 1961, dirigida por Blake Edwards y escrita por George Alxelrod, basado en la novela homónima de Truman Capote.
Recibió nominaciones en diversos festivales y premiaciones; entre sus galardones se encuentran:

-Premios Óscar: Mejor Banda Sonora (Henry Mancini), Mejor canción (Moon River)
-Premios Grammy: Mejor Banda Sonora de cine o televisión.
-Premios DGA: Mejor Director (Blake Edwards).

Nos encontramos en Manhattan, Nueva York. Es un gélido y luminoso amanecer en la Quinta Avenida, y vemos la figura femenina de Holly Golidhtly (interpretada por Audrey Hepburn), quien mira los escaparates de las tiendas, los lujos de la gran Tiffany’s, bebiendo un café en vaso plástico y un cruasán.

Holly es una aspirante a actriz, extravagante, soñadora. Quien además, de manera “secreta”, por decirlo así, es una especie de geisha neoyorkina, una dama de compañía como se muestra en la película. Vive en un pequeño departamento para una persona, junto a su gato llamado Gato (no ponerle nombre a la criatura le da libertad tanto a él como a ella, sin compromisos la señorita Holly).

Ha huido de un matrimonio con un hombre mayor, en busca de la vida de lujos que siempre quiso; es por eso que siempre se mantiene buscando una relación estable con un multimillonario que no pase de los 50 años, y su “trabajo”, le ayuda bastante en su búsqueda.

Mientras tanto a su edificio se muda un fracasado y pobre escritor, que es mantenido por una mujer mayor casada que se sustenta su propio amante, Paul Varjack (George Peppard), un gigoló que vende sus encantos mientras logre disparar su carrera de escritor famoso.

Es así como se conocen y establecen una relación de amor imposible y de odio mutuo; amor imposible por parte de Holly, puesto que Paul, a pesar de que parece gustarle mucho, no encaja en el perfil de hombre multimillonario; odio mutuo, ya que Paul frustrado por el materialismo de Holly, se vuelve algo hostil en ocaciones, pero de todas formas acaban riéndose como dos tortolos :v

Es una película que marco época por el “destape” sexual que presenta, o sea, el público tenía como protagonista a la prostitutas de sus sueños, ahí en la pantalla, con joyas, buen peinado y buen gusto, pero prostituta al fin y al cabo.

Por otra parte, hay que tener en cuenta la “nueva belleza” que establece la imagen de Hepburn, una elegante figura que abandona por completo las curvas y el cabello rubio de Marilyn Monroe, los caballeros ya no las van a preferir rubias; como bien dijo Billy Wilder: “Esta Hepburn va a conseguir que los pechos pasen de moda”. Jajaja muy bueno el comentario.


Ahora bien, las cosas que no me agradaron de la película… y no es que me disgustaron mientras vi la película, sino que fueron cosas de las que me enteré después; partiendo por el hecho de que el destape sexual es mucho más evidente en la novela (personalmente no he leído la novela completa pero los pequeños fragmentos que vi por internet me ilustraron al respecto), pero claro, hay que entender la época en la que se ubica la película… siempre hay que tener en cuenta el contexto.

Por lo mismo, creo que no se hace referencia a la bisexualidad de la protagonista, porque ahí sí que hubiese sido escandalosa xD. Y claro, tenemos el famoso final (SPOLIER), en donde Holly corre tras Paul para culminar en un abrazo bajo la lluvia, moon river¸ y blablabla. En la novela original, Holly se va, y ahí es cuando Paul escribe la historia sobre ella.

Es una película tierna, ideal para ver en estos fríos días de invierno.

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Me encantan las películas sobre psiquiátricos o centros de rehabilitación en general (Inocencia interrumpida, On the Edge, 28 días, Hombre mirando al Sudoeste, etc.) Pero por supuesto, y no es sólo porque salga Nicholson o porque sea un clásico indiscutido, pero esta película es genial.

Alguien voló sobre el nido del cuco, o en su título original: One Flew Over the Cuckoo’s Nest, es filme estadounidense del año 1975, 134 minutos de una adaptación literaria en manos de Lawrence Hauben y Bo Goldman, basada en la novela homónima de Ken Kesey y en una obra teatral de Dale Wasserman. Dirigida por Milos Forman y protagonizada por el siempre genial Jack Nicholson, narra la historia de Randle P. McMurphy, un criminal común que para evitar ir a  la cárcel, finge demencia, y termina en un psiquiátrico para ser evaluado.

En los premios Oscar de 1975, gana como Mejor Película, Mejor director, Mejor Actor (Jack Nicholson), Mejor Actriz (y merecido se lo tenía Louise Fletcher, una perra total en la película xD), y al mejor Guión Adaptado.

La historia comienza con bonitas tomas de los alrededores, y entonces vemos al señor McMurphy ingresar por primera vez al psiquiátrico, criminal condenado por cinco casos de estupro. Pero la condena de ir a un campamento penitenciario, no puede ser aplicada por su “evidente” desequilibrio mental, entonces lo meten aquí para una evaluación. Pero claro, en una suerte de guiño para el espectador, nos hacen saber que McMurphy está fingiendo para no tener que ir a la otra cosa.

Pero entonces McMurphy descubre que un psiquiátrico es un lugar tremendamente aburrido para alguien cuerdo (incluso para los locos), días tras días idénticos al anterior, con una rigurosa rutina inquebrantable.

Fantasioso, con iniciativa y mucha energía, McMurphy protagoniza una serie de incidentes que descontrolan a los internos, desde apostar cigarrillos jugando pocker, hasta escapar del psiquiátrico para un lindo día de pesca, hacen que se gane la antipatía de la primera enferma, la señorita Mildred Ratched (Milderd querida, hola, protagonizada por una impecable Louise Fletcher).

En tanto, los internos experimentan un aumento de autoestima, una autosatisfacción con la vida que no sintieron nunca antes. Para ellos, McMurphy es una especie de “héroe sin capa”.

Una historia muy entrañable que se le pueden sacar millones de significados y subtextos; muchos apuntan a la visión básica de que es una crítica al sistema de la psiquiátrica moderna; sin embargo yo me quedo más con la otra arista, que habla de ser una alegoría a los sistemas tiránicos y al sometimiento de la sociedad; con una de las escenas más reveladoras que descolocan al señor McMurphy, que es cuando los internos admiten que la gran mayoría está ahí por voluntad propia, y por ende, se someten a la tiranía de doña Mildred por voluntad propia.

Mientras tanto, tenemos a un individuo que se toma la vida “como un juego”, una eterna jugarreta de vivir el momento, un criminal sin dios ni ley más que lo que le cante su cerebro. Lleno de vida, con la sonrisa maliciosa de Nicholson… El “juego” del psiquiátrico con sus compañeritos los locos, McMurphy tiene un millón de oportunidades de escapar, pero no lo hace, el “juego” perdería la gracia…

“El ‘nido del cuco’ que describe Forman es nuestro nido, es el mundo en el que vivimos, pobres locos, sometidos a la severa autoridad burocrática de unos, a las presiones económicas de otros; aquí la promesa de bienestar, allí estelas de libertad, pero siempre obligados a tragarse las píldoras de miss Ratched” (Le Monde, 100 clásicos del cine Taschen).

De todas formas, la adaptación cinematográfica de la historia queda más orientada al entretenimiento público, cambiando la versión original (que estaba escrita desde la perspectiva del jefe Bromden –encarnado por Will Sampson-) perdiendo mucho del potencial crítico de la historia… aún así, es una película de culto, obligatoria, entretenida, para llorar, para gritar, para actuar como loco.

Nota: El jefe es uno de los mejores personajes (a mí me pareció incluso más potente que el propio McMurphy), con la mejor transformación de la película, y con las mejores escenas xD.

Noooos quedamos con la frase que dice McMurphy cuando fracasa en su intento de sacar un lavado de mármol apernado al suelo para tirarlo por la ventana, y así poder escapar:

“Por lo menos lo he intentado”

Los chiquillos norteamericanos, anteriores a la generación X (aunque parte de esta generación también pudo experimentarlo), vivieron el horror de las diversas propuestas cinematográficas orientadas a la juventud adolescente del momento, que iban desde tétricas matanzas en los estados del sur, hasta películas que te provocaban pesadillas con un Travolta de pene abultado y voz aguda cantándole al amor con trapos de Elvis. Miedo…

Pero entonces eclosiona un film, por allá por 1985, que muchos consideran como “el trabajo definitivo del género”.

The Breakfast Club, o bien en su traducción latina, El Club de los Cinco, es una película escrita y dirigida por John Hughes.  Muy sobria, con un presupuesto de 1 millón de dólares, se convirtió en éxito de taquilla, llegando a recaudar 45 millones en Estados Unidos, y 51 en todo el mundo.

Es una película aclamada por la crítica y el público (al fin se ponen de acuerdo), con una frescura del 90% en Rotten Tomatoes; La Revista Cinemanía, en 2005 tuvo un especial de “50 mejores películas de los 80”, donde superó a fuerte competidoras como el Retorno del Jedi y ET. La Revista Empire en 2008, la metió dentro de su selección de “500 mejores películas de todos los tiempos”, y el New York Time hace lo mismo dentro de su selección de las mejores 1000.

Pero bueno, no hay que esperar a ver escenarios apoteósicos y estrafalarios; mas que mal, toda la película transcurre un día Sábado 24 de marzo; un día de detención, un castigo común en las secundarias gringas, donde los que se portan mal tienen que fermentar por horas sentados escribiendo ensayos.

La historia comienza con cinco jóvenes de la Shermen High School, de distintas clases sociales, con distintas educaciones, formas de ver el mundo, apreciaciones de la realidad y proyectos futuros; son encerrados en la biblioteca para que cumplan su castigo.

Cinco jóvenes que representan a diversos estereotipos de la sociedad adolescente: Allison Reynolds, encarnada por Ally Sheedy, es la irresponsable freak, un caso mental para los muchachos, un caso perdido para los adultos; Andrew Clark (Emilio Estevez) el clásico deportista, ¿qué sería una película adolescente sin el deportista?; John Bender (Judd Nelson), el delincuente juvenil que genera todo el conflicto en la trama; Brian Johnson, un nerd, encarnado en Anthony Hall; y por último, una bella y glamorosa Molly Ringwald en el papel de Claire Standish.

Obligados a estar ocho horas juntos, los jóvenes presos de la crisis de la edad, experimentan un acercamiento, para darnos a entender a nosotros los espectadores, que son más que simples mortales estereotipados, son chicos con problemas en casa, con presiones, con toda esas cosas que atormentan a los chicos del primer mundo.

A pesar de tener 30 años, es una película que todo adolescente ‘debería’ ver, porque la sociedad es muy lenta y las cosas no han cambiado mucho desde entonces; una revelación para muchas generaciones; se habla de sexo, se habla de disfuncionalidad familiar, los chicos se drogan, un verdadero cumpleaños de monos ensalsado con esto de la búsqueda personal, una especie de grupo de apoyo, el club de los cinco termina siendo una radiografía de una sociedad enfermiza, una crítica al sistema educacional, como la brecha generacional entre educadores y estudiantes, termina cagandole la vida a muchos muchachos. El no encajar, el encajar demasiado, sin duda es una película que se disfruta desde las diversas aristas de la que se quiera mirar.

Ahora bien, lo único que me parece muy extraño, y que no logro comprender aún (aquí viene un SPOILER), es el hecho de… es que… porqué mierda Allison, la chica rara, termina de novia con Andrew, es la parte más absurda de la película; digo absurda porque entendí que el chico malo Bender, acabara de buitre ante la princesa Claire y terminan con implícita cita sexual futura, pero no sé, si hay algo que apesta en las películas son los romances raros, y si hay algo peor que eso, son los romances raros forzados, porque a un espectador como yo, le termina dando vergüenza ajena la escena del beso del romance forzado y sin desarrollo previo.

Fuera de eso es una excelente película, muy tranquila, graciosa, con un soundtrack impecable (la pegajosa Don’t you…), se disfruta.

“Ninguna vida familiar es satisfactoria. Si no fuera así, la gente se quedaría a vivir con los padres para siempre.”

Cunado uno piensa en una película francesa de los años 60’s en blanco y negro, se imagina de inmediato una formula para dormir de 3 horas. Pero entonces te encuentras con la maravilla Band a Part.

En español, Banda a parte, es una película francesa dirigida por Jean-Luc Godard, con un guión escrito por Dolores Hitchens, que parte desde la novela pulp estadounidence “Fool’s Gold”. Uno de los filmes más destacados de la nouvelle vague (o la nueva ola, término que se utilizaba para nombrar a un grupo de cineastas que nace en Francia a fines de la década de los 50’s), cuya fama y trascendencia retumba hasta nuestros días, con diversos homenajes en el mundo del cine, y una gran aceptación en el mundo intelectual (como nos cuenta, El Cine en la Sombra, esta es una de las películas favoritas del señor Javier Marías).

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Todo comienza con una clase de inglés, ya saben, con eso del imperialismo, hasta los franceses necesitan aprender otro idioma. Dos muchachos, Arthur (Claude Brasseur) y Franz (Sami Frey), conocen por casualidad a una muchacha que también asiste a la clase, joven y bella Odile (Anna Karina).

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Lo que Odile no sabe es que ellos son un par de ladrones aficionados, ambiciosos, pero no lo suficiente para trabajar o robar tiempo completo, y ella, dentro de su desesperante inocencia (a ratos resulta ser medio estúpida), les cuenta que en la casa donde vive, el esposo de su tía tiene un tesoro de millones de francos, puestos en un closset a disposición de cualquiera (pues claro, no hay mejor secreto guardado que el que está a la vista de todos).

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Aquí comienza todo un dilema moral para la pobre Odile, ya que Arthur (el muchacho que a Odile le mueve las hormonas…), apoyado por Franz, quieren convencerla de que deben robar ese dinero a como de lugar.

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Es un relato bastante dinámico, digo, en serio, para ser una película francesa antigua, no está nada mal, muy novedosa para la época por lo demás, tiene recursos muy interesantes, como una voz en off que nos cuenta lo que van pensando los protagonistas en ciertas partes del relato (por ejemplo, cuando están bailando en el cafetín).

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Una de las escenas célebres de la película, es cuando hablan de lo eterno que se hace un minuto de silencio, entonces deciden hacer uno para ver como les va. Yo conté 37 segundos mientras la película quedó completamente en silencio, sin ruido de fondo, ni nada.

Escena del minuto de silencio.

Escena del minuto de silencio.

Y bueno, sin duda la escena más célebre de todas, es cuando hablan a cerca de la carrera por el Museo del Louvre, y deciden romper el record de los nueve minutos (Carrera que fue homenajeada por Berlotucci en The Dreamers)

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Tiene sus momentos tediosos (no hay que olvidar que tiene como 50 años la película) Pero es una bonita y entretenida forma de conocer las técnicas, las narraciones, los recursos en general del cine de antaño.

Nos quedamos con la escena del baile, famoso referente para diversos directores, entre ellos Tarantino, quien incluso funda una compañía productora junto a Lawrence Bender llamada “A Band Apart” (creadora de cintas como Pulp Fiction, Kill Bill, Jackie Brown, etc):

Uno de los más locos sueños de mi adolescencia, y que perdura hasta hoy, es poder andar con una cámara de video por todas partes, filmando cada cosa que se me antoje, todo lo que pueda grabar xD. Lamentablemente no tengo cámara, y ahora es complejo conseguir una cámara de video relativamente piola, ya que todo el mundo vende fotográficas, y el resto son sólo de vídeo profesional ¬¬ yo quiero una de video simple u.u en fin…

Esa idea la tuve al ver la exitante película de la que hablaremos a continuación: American Beauty (1999).

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Es una película de 121 minutos, estadounidence (de esos egocéntricos que se hacen llamar americanos) del año 1999 (insisto, que buen año para el cine). Dirigida por Sam Mendes y escrita por Alan Ball. Ganadora de 5 premios de la academia de los Oscars en las categorías de: Mejor Película, Mejor Actor (para Kevin Spacey), Mejor fotografía (no me extraña, el trabajo de Conrad L. Hall fue impecable), Mejor director y Mejor guión original.

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La voz en off nos cuenta, que Lester Burnham (Kevin Spacey) estará muerto en un año, pero hasta ese entonces él no lo sabe. Un hombre muerto que nos narra su vida durante el año anterior a su muerte. Una vida, por cierto, miserable. Es un hombre de mediana edad, casado con Carolyn (Anette Bening), quien es una clásica empresaria exitosa, adultera, que considera a su marido un completo fracasado. Mientras tanto su hija Jane (Thora Birch), los odia ambos, especialmente a su padre por ser un idiota xD. El momento más feliz en el día de Lester es cuando se masturba en la ducha cada mañana.

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Su vida se llena de desesperación, con un eterno existencialismo del sin sentido, viendo fotos familiares de los viejos tiempos donde pareciera que la familia era feliz.

Por otra parte, al lado de la casa llegan nuevos vecinos, entre los que hay un muchacho extraño llamado Ricky Fitts (encarnado por Wes Bentley), quien tiene la extraña costumbre de portar una cámara de video a donde quiera que vaya, además de poseer un padre maltratador y muy bruto, el coronel Franks Fitts (Chris Cooper). Jane comienza a interesarse por el muchacho.

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Pero entonces la desesperación de Lester llega a su fin cuando conoce a Angela (Mena Suvari), la mejor amiga de Jane y una suerte de Lolita de fines del milenio. El sentido de la vida, de la sexualidad, la pujanza de salir a tomar aire y conseguir un empleo extraño le vuelven a Lester, por medio de esta creciente fantasía.

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Lo rico de la película es la relación entre el espectador y los personajes, que se logra establecer de buena manera, hay un desarrollo emocional de cada personaje, no me atrevería a llamarlo una evolución, puesto que no creo que se avance o se retroceda, pero sin duda cada personaje sufre sus propios cambios, sus inquietudes, enfrentados al ridículo de vivir en sociedad pero sin hacernos caer en las carcajadas baratas de las producciones de comedia actual; Frankfurter Allgemeine Zeitung dijo: “Al principio la película juzga a sus personajes duramente; luego, hace todo lo posible para devolverles su dignidad” (100 clásicos del cine Taschen Vol. 2, página 769)

Recomendable al 100%. Y nos quedamos con una ilustración del artista Masimo Carvenale y un pedazo del excelente guión de American Beauty:

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“¿Recuerdan los carteles que decían: ‘Hoy es el primer día del resto de tu vida’? Pues eso es verdad todos los días. Excepto uno: el día en que mueres.”

 

Para variar un poco, aprovechando que el clima nos acompaña con un tierno frío otoñal, nos quedamos con este corto (que en su tiempo fue película xD), Le Voyage dans la Lune o Viaje a la Luna, es una película francesa del año 1902 (mismo año de nacimiento que tengo en facebook xD), dirigida por Georges Mélies, es un relato de ciencia ficción sobre un sensacional viaje a la luna. Lo mejor de todo es la luna con cara :v